Willkommen zu unserem Brief aus Berlin!

In dieser Woche konzentrieren wir uns weiterhin auf neue Projekte und die Wiedereröffnung von Ausstellungen.

Anlässlich der Ausstellung von Angela Bulloch mit Gerwald Rockenschaub Festival! stellen wir ihre Zusammenarbeit mit David Grubbs The Wired Salutation mit einem Auszug aus Grubbs Essay vor.

Am kommenden Sonntag, 21. Juni, wird die Galerie im Rahmen der SUNDAY OPEN geöffnet sein, ebenso beteiligen wir uns weiterhin am nun verlängerten Basel by Berlin.

Bitte besuchen Sie unseren neuen Online Viewing Room für PS81E und die Präsentation unseres Art Basel Online Viewing Room.

Wir möchten Ihre Aufmerksamkeit auf die Ausstellungen mit Simon Fujiwara und Roman Ondak lenken, die nächste Woche in Bonn bzw. Aalborg eröffnet werden, und werfen auch einen genaueren Blick auf die Werke der beiden Künstler in unserer Ausstellung PS81E .

Alles, was Sie vielleicht in unseren Sozial-Media Kanälen verpasst haben, finden Sie auf Continuity, unserer digitalen Plattform.

Bleiben Sie gesund.

Zur Einführung in The Wired Salutation und als zusätzlichen Kontext für Angela Bullochs Präsentation im Rahmen von Festival! entnehmen wir einen Auszug aus dem Essay von David Grubbs, der erstmals 2019 in Angela Bullochs Monografie Euclid in Europe, 2019 veröffentlicht wurde.

Toggle-Ensemble
von David Grubbs

Auf der großen Leinwand im vorderen Teil der Bühne ist das Standbild eines Musters ineinandergreifender Polygone zu sehen, dessen Volumen durch drei Blautöne suggeriert wird. Es ist noch Zeit, seinen Platz zu finden.

Das Muster - und seine Präsenz hier im Theater - kündigt einen "Vorhang" an, aber das Auge ist versucht, die Verformung innerhalb des Bildes als Darstellung von Tiefe zu lesen. Die Verzerrung des Musters in der unteren Hälfte des Bildes bewirkt, dass es sich vor uns als Boden ausbreitet - als Raum, in den man eintritt, in den man sich projiziert, als Fußboden, Untergrund oder Bühne, wo man steht und Gegenstände platziert. In dem sich Objekte ansammeln können. Zu füllen. In unbestimmter Entfernung krümmt sich das Muster deutlich nach oben als Wand, als Rückwand und sichtbare Grenze. Eine schwindelerregende Neigung nach links unten auf der Bühne deutet darauf hin, dass die Achse schief ist, dass das Überqueren der Bühne auf einer Diagonale ein Aufstieg ist, also seien Sie vorsichtig, wo Sie diese Requisiten platzieren. Das Muster Ente-Hase-t zwischen Flachheit und Tiefe, zwischen Vorhang und Bühne, zwischen zickzackförmiger blauer Komposition und verwirrendem Aufführungsraum, so wie die Reihen der Polygone innerhalb des nominell stehenden Bildes sich hin und her bewegen. Vier gemächliche Stick-clicks geben das Tempo vor, und auf dem Downbeat blenden Avatare von vier Musikern auf dem Muster der Polygone ein. Ein unsichtbares Live-Ensemble mit Schlagzeug und zwei E-Gitarren loopt einen synkopierten Shuffle und einen Buttonhook einer Melodie, deren ansteigender Doppelschlag eine beharrlich unbeantwortete Frage suggeriert. Die vier Avatare schwingen und grooven in einem ganz eigenen Stil. Schauen Sie nicht weg. Die sind hier, um die Musik zu begleiten, die von der verborgenen Gruppe gespielt wird, oder vielleicht sind es die unsichtbaren Musiker, die die Avatare begleiten. In jedem Fall

es schaltet um. Eine virtuelle Kamera zoomt auf das Avatar-Quartett von - von links nach rechts - Gitarrist eins, Schlagzeuger mit Schnurrbart, Gitarrist zwei und ein E-Bassist, der Angela Bulloch ähnelt. Es handelt sich um eine virtuelle Aufnahme mit mehreren Kameras, bei der ein Winkel in den nächsten überblendet wird, von der Aufnahme der gesamten Gruppe bis hin zu einzelnen Nahaufnahmen, von einer langsamen Schwenkbewegung von rechts nach links über die Gruppe bis hin zu einer Kamerafahrt von oben. Die Aufnahme kommt aus einer Perspektive, die an ferngesteuerte Hochseilkameras bei Sportveranstaltungen erinnert. Die verzerrten Polygone geben weiterhin alle möglichen Rätsel der räumlichen Darstellung auf und

hier lassen sich die Avatare nicht hetzen. Sie schwimmen in ihrem eigenen Tempo mit. Die virtuellen Darsteller sind mehr oder weniger synchron miteinander, egal ob sie jemals überzeugend synchronisiert mit der Musik erscheinen, die sie spielen sollen, die sie begleiten und die sie begleitet. Die Musik ist dankenswerterweise eine Instrumentalkomposition, so dass es keine Notwendigkeit für die sicher zum Scheitern drohende Herausforderung des Lip-Synching gibt. Bald schon sind sie mit der musikalischen Darbietung ebenso wenig synchron wie die ersten Lippensynchronisten vor einem halben Jahrhundert im Live-Fernsehen, Pantomimen, die mit Darstellern endeten, die nicht in der Lage waren, ein gerades Gesicht zu wahren, die Instrumente tauschten, herumalberten, fielen

alle über sich selbst. Die Avatare verraten keine Besorgnis darüber, ob ihre Pantomime besteht oder nicht. Sie haben keinerlei Probleme damit, vier ernste Gesichter bei zu behalten, und es ist schwer, sich vorzustellen, wie sie lachen, wie sie Lippensynchron lachen. Einen virtuellen Bauch platzen. Ihre Gesten sind abgemildert, weich, ernst. Ein bisschen bekifft. Ihre Methode ist doktrinäres "Doing-it-easy". Der Trommler flattert sanft um sich, und es gibt nicht einmal den Anschein, als ob ein Stock auf eine Trommel oder ein Zimbal schlage. Er paddelt langsam und stetig weg, im Schatten trommelnd oder lufttrommelnd, wobei eine Hand auf einen Boden-Tom, die andere auf einen flachen Rack-Tom gerichtet ist, und die Stöcke landen nur Zentimeter vor ihren vermeintlichen Zielen. Die Geräte - nicht genau Trommelstöcke - ähneln eher einziehbaren Metallzeigern oder abgebrochenen Autoantennen, und selbst mit seinen grimmigen, nicht blinzelnden Augen täuscht der Trommler-Avatar niemanden. Inzwischen haben die beiden Gitarristen-Avatare das seltsame Kunststück vollbracht, ohne Gitarrengurte zu spielen. Die Gitarren schweben einfach. Gelegentlich dreht sich einer der Gitarristen-Avatare in einem solchen Winkel, dass das Bild zuckt und das Instrument für einen Augenblick transparent wird.

Das Publikum sieht die Avatare aus nächster Nähe.

Das Publikum sieht die Avatare in doppelter menschlicher Größe.

Die Avatare beeindrucken als etwas, das nicht dazu bestimmt ist, so nah herangebracht zu werden

noch dafür vorgesehen, in einem solchen Maßstab betrachtet zu werden. Sie erscheinen als etwas, das weder in solcher Nähe noch ununterbrochen beobachtet werden sollte. Trotzdem, schauen Sie nicht weg. Rückblende zu einer gefeierten elektronischen Popgruppe und ihrem ersten Einsatz von Robotern auf der Bühne, bei dem das gesamte Konzert zu dem versprochenen Erscheinen der Roboter führte - zum Ersatz der Band durch Roboter - was erst in den letzten Momenten geschieht. Die Menge dreht völlig durch, auch wenn die Roboter weit entfernt und klein sind und sich im hinteren Teil der Bühne befinden; es ist ein mechanisches Puppenspiel, und zwar ein bewusst kurzes. Die Designer der Roboter müssen darauf geachtet haben, dass sie nicht zu lange bleiben. (Das Publikum brüllt am lautesten, wenn sich die vier Roboter auf einer Stahlachse um 360 Grad drehen.)


(wird fortgesetzt)


Den vollständigen Text finden Sie in Angela Bulloch, Euclid in Europe, veröffentlicht von Hatje Cantz im Jahr 2019.

FESTIVAL!

Ein Projekt von Esther Schipper und Mehdi Chouakri
Mehdi Chouakri, Eingang: Mommsenstrasse 4, D–10623 Berlin

Neue Ausstellung alle zwei Wochen
12. Juni – 6. August 2020

Angela Bulloch | Gerwald Rockenschaub, bis 25. Juni
Isa Melsheimer | N. Dash ab 27. Juni
Anri Sala | Saâdane Afif
Ari Benjamin Meyers | Charlotte Posenenske

Festival! bei Mehdi Chouakri Mommsenstrasse nimmt am SUNDAY OPEN teil und ist am Sonntag den 21. Juni von 11 bis 17 Uhr geöffnet.


Den Auftakt machen Angela Bulloch und Gerwald Rockenschaub. Die Künstler*innen, die in der Vergangenheit bereits gemeinsam ausgestellt haben, teilen in gewisser Weise ein formales Vokabular, das sowohl vom Minimalismus als auch vom Digitalen geprägt ist. Angela Bulloch analysiert die Strukturen, die unser Sozialverhalten bestimmen, und stellt sie mit einem nachhaltigen konzeptionellen Ansatz in Frage. Ihre Arbeit erstreckt sich über viele Medien und offenbart ihr Interesse an Systemen, Mustern und Regeln sowie ihre anhaltende Beschäftigung mit der Geschichte der Formen und der menschlichen Interaktion. Die Serie ihrer neueren Skulpturen verbindet ihr Interesse an der Logik der Geometrie und Serialität mit einer grafischen Qualität.

Ursprünglich bekannt als Teil der so genannten Neo-Geo-Bewegung, die in den frühen 1980er Jahren aufkam, ist Gerwald Rockenschaubs unorthodoxe Herangehensweise an tief verwurzelte Erwartungen und visuelle Wahrnehmungen heute wesentlich für seinen Ansatz - er versucht stets diese auf subtile, technisch präzise Weise zu unterlaufen. Die ausgeprägte Annäherung seiner Farben, Formen und vor allem seiner künstlichen, synthetischen Materialien an die Welt des Produktdesigns ist ebenso vertraut wie verunsichernd.

PS81E
mit Werken von Stefan Bertalan, Martin Boyce, Matti Braun, AA Bronson and Reima Hirvonen, Angela Bulloch, Nathan Carter, Etienne Chambaud, Jean-Pascal Flavien, Ceal Floyer, Simon Fujiwara, Ryan Gander, General Idea, Francesco Gennari, Liam Gillick, Andrew Grassie, Ann Veronica Janssens, Gabriel Kuri, Jac Leirner, Ari Benjamin Meyers, Roman Ondak, Philippe Parreno, Ugo Rondinone, Christopher Roth, Anri Sala, Karin Sander, Julia Scher, Daniel Steegmann Mangrané, Tao Hui

16. Juni - 25. Juli, 2020

Wir freuen uns an SUNDAY OPEN teilzunehmen, einer Initiative von INDEX Berlin. Unsere aktuelle Ausstellung PS81E ist an diesem Sonntag den 21. Juni von 11 bis 17 Uhr geöffnet.

Zusätzlich freuen wir uns, zusammen mit 31 Berliner Galerien an Basel by Berlin teilzunehmen: ein analoges Pendant zu den Art Basel Online Viewing Rooms, das bis Sonntag den 21. Juni verlängert worden ist.


In einem normalen Jahr wären wir nun auf der Art Basel. Für die diesjährige Messe hatten wir einen aussergewöhnlichen Stand kuratiert, wichtige Arbeiten ausgewählt und viele neue produziert. Aus der ganzen Welt wären diese Werke angekommen, unser Stand wäre in gut drei Tagen aufgebaut worden, und unser Team stünde bereit, Sie zu begrüßen. Wenn sich dann die Türen öffnen und die Besucher hereinströmen würden, wäre die Zeit elastisch geworden: eine Million kurzer Begegnungen komprimiert in wenigen Stunden.

Stattdessen haben wir diese Werke in unserer Berliner Galerie installiert. Es ist in gewisser Weise eine Anti-Messe: Unter Einhaltung der Auflagen zu sozialen Kontaktbeschränkungen wird es genügend Raum und Zeit geben, sich mit jedem Besucher zu unterhalten. Auch wenn der Eintritt zuweilen limitiert werden mag, ist die Zeit nicht begrenzt. Mit unserer Ausstellung PS81E wollen wir die nicht zu ersetzende Erfahrung der persönlichen Begegnung mit einem Kunstwerk würdigen. Wir nehmen dies als eine Chance wahr.

Es beginnt, sobald Sie eintreten: Julia Schers historisches Werk Occupational Placement begrüßt die Besucher im Eingangsbereich, Christopher Roths leuchtend rotes Schild space-time.tv kündigt sein fortlaufendes Projekt an, welches vergangenen Sommer in unserem Buchladen präsentiert wurde, während linker Hand Ugo Rondinones Bronzen aus seiner 2016 entstandenen Serie Primordial hängen, und rechter Hand Ari Benjamin Meyers Duet Besucher einlädt, ein Lied zu lernen, nahebei Jean-Pascal Flaviens greenhouse.

Der zentrale Ausstellungsraum wird von zwei großen halb-transparenten Stellwänden von Martin Boyce durchzogen. Ann Veronica Janssens schillerndes Diptychon, Seidenarbeiten von Matti Braun in tief gesättigten Farben, Nathan Carters verspielte "intersexuelle" Collagen und Daniel Steemann Mangranés Glas Systemic Grid 124 säumen Skulpturen von Gabriel Kuri und Francesco Gennari. Karin Sanders bunte polierte Tischtennisbälle, Anri Salas cinematische Schnecke, die in einen hölzernen Textilstempel gefräst ist, und Ceal Floyers ironische und humorvolle Arbeit Mutual Admiration (Gegenseitige Bewunderung) zweier sich zugewandter Lautsprecher begegnen sich unter einer neuen transparenten Marquee von Philippe Parreno. Wir begrüßen Künstler, die erst kürzlich in die Galerie gekommen sind: Jac Leirner mit der Skulptur Jewel, Stahlseile, die entsprechend ihrer abnehmenden Dicke aneinander befestigt sind, Etienne Chambauds Paneele aus seiner Serie Nameless, die mit dem Urin wilder Tiere hergestellt wurden, und Tao Huis für Screen as Display Body zusammengefügte Monitore auf einem Trolley.

Ein historisches Werk von Liam Gillick lädt Sie ein, sich hinzusetzen und der neuen dynamischen Drawing Machine von Angela Bulloch zuzusehen. Simon Fujiwaras riesengroße Ohrringe mit den guillotinierten Köpfen der französischen Monarchen hängen in der Nähe von Stefan Bertalans geometrischer Zeichnung aus den frühen 1970er Jahren und Sunset von Andrew Grassie, während sich jemand oder etwas in Ryan Ganders I'm never coming back to London again mit einer Handvoll Geld davonmacht.

Aus einer Plexiglasvitrine blicken zwei kleine Puppen – AA Bronson und sein Ehemann, die der Künstler in Zusammenarbeit mit Reima Hirvonen hergestellt hat – auf ein historisches Werk von General Idea, The Search for the Spirit von 1976, und auf Roman Ondaks Sated Table von 1997, eine Zusammenstellung von Haushaltsgegenständen und Philosophen-Zutaten.

Wir freuen uns auf Ihren Besuch in unserer Galerie, um in Berlin zu sehen, was die Art Basel 2020 hätte sein können, jetzt aber PS81E ist.

PS81E
mit Werken von Stefan Bertalan, Martin Boyce, Matti Braun, AA Bronson and Reima Hirvonen, Angela Bulloch, Nathan Carter, Etienne Chambaud, Jean-Pascal Flavien, Ceal Floyer, Simon Fujiwara, Ryan Gander, General Idea, Francesco Gennari, Liam Gillick, Andrew Grassie, Ann Veronica Janssens, Gabriel Kuri, Jac Leirner, Ari Benjamin Meyers, Roman Ondak, Philippe Parreno, Ugo Rondinone, Christopher Roth, Anri Sala, Karin Sander, Julia Scher, Daniel Steegmann Mangrané, Tao Hui

Um mehr über die Werke in der Ausstellung zu erfahren, besuchen Sie unseren Online Viewing Room See inside the exhibition

Art Basel
Online Viewing Room
17. bis 26. Juni 2020
Online Now

Esther Schipper freut sich, unsere Teilnahme an den zweiten Online Viewing Rooms der Art Basel bekannt zu geben, einer digitalen Plattform, die Galerien und Sammler aus der ganzen Welt verbinden soll

Unser Art Basel Online Viewing Room präsentiert Werke von Stefan Bertalan, Matti Braun, AA Bronson and Reima Hirvonen, Angela Bulloch, Etienne Chambaud, Simon Fujiwara, Ryan Gander, General Idea, Ann Veronica Janssens, Gabriel Kuri, Roman Ondak, Philippe Parreno, Ugo Rondinone, Anri Sala, Karin Sander.

Besuchen Sie das Online Viewing Room der Art Basel HERE.

Am 26. Juni wird Simon Fujiwaras 5D-Simulator-Installation Empathy I im Rahmen der Gruppenausstellung State of the Arts in der Bundeskunsthalle in Bonn gezeigt.

Die Arbeit, die zuerst in der Galerie in Berlin ausgestellt wurde, seitdem im Lafayette Anticipations, Paris, und The Shed, New York gezeigt. Nun wird Empathy I bis zum 16. August 2020 in Bonn zu sehen sein.

Der Ausgangspunkt des Künstlers bei der Konzeption von Empathy I war die Schaffung einer physischen Simulation der "realen Welt" unter Verwendung von Freizeitparktechnologie, die üblicherweise verwendet wird, um Fantasie und eskapistische Erfahrungen zu schaffen. In enger Zusammenarbeit mit einem Hersteller von Vergnügungsparks begann er mit der Entwicklung seines eigenen 5D-Bewegungssimulators, der das Publikum durch die Kombination von Video, Ton, Wind, Wasser und bewegten Sitzen in eine hyperreale und intensive physische Erfahrung eintauchen lässt. Bei Fujiwaras Fahrt begibt sich das Publikum auf eine Reise, auf der es durch eine sich schnell verändernde Serie von Youtube-Clips, die in der Ich-Perspektive der Kamera aufgenommen wurden, kurz eine Reihe von "Leben anderer Menschen" verkörpert. Eine Braut auf ihrer eigenen Hochzeit, einen Mann retten, der auf See gestrandet ist, eine Frau bei einem Straßenkampf, mit Freunden durch die Wüste des Nahen Ostens fahren und feiern oder in einem elektrischen Rollstuhl aus einem Zug steigen - die Zuschauer erleben nicht nur die visuellen, sondern auch die physischen Aspekte dieser intimen Bereiche, angeschnallt in Sitzen, die sich präzise synchron zu den Bewegungen der verschiedenen handgehaltenen Kameras bewegen.

Von nur zwei Personen gleichzeitig in einer streng gestalteten Metall-"Box" erlebt, warten die Besucher in einem speziell gestalteten Wartebereich, bevor sie von einem speziell hierfür ausgebildeten Begleiter durch das Erlebnis geführt werden. Für den Künstler stehen der öffentliche Akt des Wartens und die intime und extreme körperliche Erfahrung im Inneren des Raumes in einem Kontrast, der zu Fragen nach der Rolle und dem Wert des Körpers, der Zeit und der Erfahrung in einer zunehmend mechanisierten Welt einlädt.

Einmal drinnen angekommen, führt die Arbeit das Publikum an die Grenzen der biologischen Kapazitäten des Körpers und zwingt den Betrachter, Gefahr, Stille, Geschwindigkeit, Traurigkeit und Vergnügen in knapp vier Minuten zu erleben - eine Zeit, die in der Freizeitparkindustrie als Standard gilt, bevor Seekrankheit oder Dysphorie einsetzt. Im Zeitalter der Massenmedien und der Bildschirmmüdigkeit verlagert Fujiwara den Fokus radikal vom Bildkonsum auf die körperliche Erfahrung und beschreibt das Werk als "skulpturale Erfahrung", die die eigenen Gefühle des Publikums in den Mittelpunkt des Werks stellt. In den Videos, die er auswählt und bearbeitet, erleben die Zuschauer eine hyper-emotionale Welt durch Körper, die in Bezug auf Rasse, körperliche Fähigkeiten, Geschlecht, Klasse usw. andere sind als sie selbst. Er fordert uns auf, über die Ethik der Repräsentation, Simulation und Empathieproduktion in unserer zunehmend technologischen Umwelt nachzudenken - gleichzeitig aufregend emotional und beunruhigend kontrolliert.

Diese Woche veröffentlichte das Kunstmagazin Collectors Agenda ein ausführliches Interview mit Simon Fujiwara. Nachfolgend Auszüge aus ihrem Gespräch, in dem Simon auch über seine Faszination für weibliche Charaktere sprach, darunter Marie Antoinette, die Gegenstand seiner Arbeit ist, die derzeit als Teil von PS81E zu sehen ist,

Deine Kunst ist sehr vielfältig, deine Praxis ist sowohl performativ als auch interdisziplinär. In deiner Arbeit kombinierst du verschiedene Disziplinen und Medien. Wie würdest du die deine Kunst mit deinen eigenen Worten beschreiben?
Ich beginne nie mit der Frage, was das jeweilige Medium sein wird, sondern was ich erforschen will und wie ich das am besten transportieren kann, dann kommt die Frage der Medien ins Spiel. Meine Arbeit ist visuell überall präsent und bewohnt viele Ästhetiken als Folge der Tatsache, dass ich heute in einer Welt arbeite, in der 'collageartige' und oft kollidierende Ästhetiken nicht nur in der Kunst oder im Internet, sondern auch im Alltag normal sind. Dabei kann es um die materielle Welt gehen, in der wir leben, und um die Collage von Werten, die sie verkörpern – Luxus trifft auf Recycling/Nachhaltigkeit, Informationen oder Nachrichten werden als Unterhaltung präsentiert usw. Es gibt mehr Vielfalt, unsere digitalen Begegnungen sind globaler, an jedem beliebigen Tag sind wir mit der Möglichkeit multipler Realitäten konfrontiert, was noch vor einem Jahrzehnt nicht der Fall war. So sieht meine Welt aus – vielfältig, verwirrend, aufregend, unverständlich, ängstlich – und ich kann nur Arbeit machen, die meiner Erfahrung nahe kommt. Es ist kein konzeptueller Ansatz.

(….)

Es klingt, als würdest du dich selbst als politischen Künstler sehen, verstehe ich das richtig?
Ich fühle mich meiner Zeit gegenüber sehr verantwortlich und arbeite so scharfsichtig wie möglich, um sie aufzuzeichnen, zu dokumentieren, zu transformieren, zu spiegeln oder zu verzerren. Man kann es politisch nennen, wenn man so will, ich mache mir nicht so viel aus dieser Terminologie. Meine primäre Sorge gilt den Menschen. Das Publikum liegt mir sehr am Herzen

Du hast dich in deiner künstlerischen Arbeit auch mit den Biografien anderer Frauen beschäftigt, wie Marie Antoinette, deiner ehemaligen Lehrerin Joanne und Angela Merkel. Gibt es etwas, das diese Arbeiten verbindet, außer der Tatsache, dass sie alle von Frauen handeln?

Ich bin offensichtlich von Frauen besessen. Ich könnte dir eine populär psychologische Antwort geben wie „Ich wurde von einer alleinerziehenden Mutter aufgezogen oder ich bin schwul“. Das wäre die einfache Antwort. Historisch gesehen haben Frauen für mich eine interessantere Position als Männer eingenommen, weil sie darum kämpfen mussten, ihren Status vom Objekt oder Eigentum zu Menschen mit eigenen Rechten zu verändern. In diesem Kampf haben sie so viel über Menschlichkeit offenbart. Es interessiert mich, weil jetzt viele Menschen durch die sozialen Medien bereit sind, sich selbst wieder zu objektivieren, indem sie versuchen, selbst zu Marken zu werden und so zu handelbaren, konsumierbaren Waren zu werden. Während früher ein Kind davon träumte, Astronaut zu werden, träumen heute einige davon, Influencer zu werden. Ich kann diesen Wunsch voll und ganz verstehen, wenn die alltäglichen Handlungen im Leben, vom Kaffeetrinken in einem Café bis zum Treffen mit Freunden, zu vermarktbaren Erfahrungen werden können und daher eine Art Bedeutung haben, durch kapitalistischen Nutzen oder im Akt des Dokumentierens und Bejahens der eigenen Lebenserfahrung.

Das vollständige Interview mit Simon Fujiwara vom Kunstmagazin Collectors Agenda können Sie HIER lesen.

Ausgangspunkt für die Skulptur von Simon Fujiwara in unserer aktuellen Ausstellung PS81E ist ein Paar Ohrringe in Form von zwei Guillotinen, an denen die Köpfe von Königin Marie-Antoinette und König Ludwig XVI. hängen; die Ohrringe sollen um die Zeit der Französischen Revolution hergestellt und verkauft worden sein. Fujiwara hat die Ohrringe digital reproduziert und vergrößert, um eine monumentale Skulptur zu schaffen, die in 3D gedruckt und von Hand mit 23-karätigem Gold vergoldet wurde.

Wie Simon Fujiwara bemerkte: "Die Arbeit steht in enger Verbindung zu meiner laufenden Studie über die Beziehungen zwischen Mensch, Produkt und Objekt und die Kommerzialisierung von 'allem', die heute ihren Höhepunkt erreicht. Sie sind eine grausame, aber glorreiche Erinnerung an die Art und Weise, wie der Mensch fast jede Art von Ereignis kapitalisiert und neu erfindet, aber sie sind auch eine Würdigung des menschlichen Einfallsreichtums, alles in irgendeine Form von Objekt oder Festivität zu verwandeln, in diesem Fall die Perversität, den Untergang eines Königreichs zu feiern, das von Exzessen und Überausgaben geplagt war, indem man goldene Ohrringe herstellt.

Weitere Informationen zu dieser Arbeit finden Sie in unserem PS81E Online Viewing Room.

Am 26. Juni 2020 eröffnet das Kunsten Museum of Modern Art in der dänischen Stadt Aalborg Landschaft, eine breit angelegte Ausstellung, die Werke aus dem 19. Jahrhundert bis zur Gegenwart umfasst. Wie die Organisatoren schreiben, präsentiert die Ausstellung eine umfassende Auswahl von Werken aus vielen verschiedenen Epochen und mit vielen verschiedenen Ausdrucksformen: von einfühlsamen bis zu temperamentvollen Landschaften, von konzeptuellen bis zu ganz einfach schönen Landschaften. Die Ausstellung präsentiert auch eine Neuerwerbung. Roman Ondaks Event Horizon (2016), wird zum allerersten Mal in Dänemark gezeigt. Das Werk stellt Natur, Zeit und die Geschichte der Menschheit in einen größeren Zusammenhang und zeigt eine einzelne Eiche, die in 100 Teile zerlegt wurde. Jedes Stück stellt ein einzelnes Jahr und ein historisches Ereignis aus diesem Jahr dar.

Erstmals 2016 in der South London Gallery in London präsentiert, ist Event Horizon eine skulpturale Installation mit einer prozessualen Komponente. Das Werk, das einen Zeitraum von hundert Jahren symbolisiert, besteht aus 100 Holzscheiben einer 130 Jahre alten Eiche und 100 Metalstiften, auf die die vorgesägten Scheiben nach und nach platziert werden, jeden Tag eine. Auf jeder Scheibe ist einer der Jahresringe mit Tinte markiert und mit einem benannten historischen Ereignis gepaart. Dazu gehören Kriege, Staatsverträge, wissenschaftliche Durchbrüche und Ereignisse im Zusammenhang mit historischen Persönlichkeiten. Einige der Ereignisse sind allgemein bekannt und leicht zu datieren, z.B. das Ende des Ersten Weltkriegs, andere spezialisierter, wie z.B. das Jahr, in dem die erste erfolgreiche Herztransplantation durchgeführt wurde: 1967. Die zwangsläufig subjektive Auswahl der Ereignisse, die der Künstler hervorhebt, entlarvt die Unmöglichkeit einer objektiven, unvoreingenommenen Geschichte sowie den Einfluss der Erziehung auf unser Verständnis und unsere Interpretation der Vergangenheit. Die Skulptur entwickelt sich im Laufe der Ausstellung allmählich weiter, indem die Eiche schrittweise vom Boden zur Wand transferiert wird. Die Skulptur schafft einen imaginären Kalender, der das Verstreichen der Tage mit den viel größeren Schritten von Zeit - und Geschichte - verbindet, symbolisiert durch die Markierungen auf den Scheiben.

Roman Ondaks Arbeit entwickelt sich oft aus einem performativen Konzept, auch Sated Table, die derzeit als Teil von PS81E zu sehen ist, kann auf ein früheres Werk mit einer offenkundig performativen Komponente zurückgeführt werden.

Sated Table aus dem Jahr 1997 ist ein wichtiges Frühwerk von Roman Ondak. Kochutensilien und Zutaten sind wie gebrauchsfertig auf einem Tisch ausgelegt. Unter den Objekten befinden sich ein Schneebesen, eine Kelle, eine Schüssel, ein Messbecher und ein Sieb. Die daneben auf der dunkelgrauen Tischfläche sitzenden Packungen sehen daher auf den ersten Blick wie die Zutaten für die Zubereitung eines Kuchens aus, wie z.B. Butter, Mehl und Zucker. Doch die Markennamen auf ihren Verpackungen wurden mit denen der bekannten Philosophen Foucault, Locke, Hegel und Schopenhauer ersetzt. Ein Paket mit dem Namen Marcel ist mysteriöser: Es bezieht sich auf den französischen Philosophen, Theaterkritiker, Dramatiker und Musiker Gabriel Marcel (1889-1973), der einen "christlichen Existenzialismus" theoretisierte, einen Begriff, den er zunächst befürwortete, später aber ablehnte. Gleichzeitig kann er aber auch als indirekter Verweis auf Marcel Duchamp verstanden werden, der einen grossen Einfluss auf Ondaks Oeuvre ausübte.

Ondak hatte eine ähnliche Methode der Substitution für seine Installationen Taste of Thinking, 1995 und Sated Library,1995 angewandt, in denen er verpackte und in Dosen abgefüllte Lebensmittel mit den Namen verschiedener Arten von Büchern und/oder Verweisen auf die Werke berühmter Schriftsteller, Dichter und Philosophen (Dante, Goethe, Kafka, Sartre...) versah, in die Regale stellte und so Bibliothek und Speisekammer miteinander verschränkte. Doch die Metapher der Lebensmittel, des Kochens und der Essensaufnahme wurde mit Ondaks Projekt Communicative Consumption in einen performativen Kontext gebracht.

Wie Lýdia Pribišová es in ihrem 2014 erschienenen Essay The Nineties in Slovak Society: The Crushing of Values beschreibt, fing Roman Ondak Gesprächsfetzen mit in einem Schuhkarton versteckten Aufnahmegerät auf und schrieb sie dann in ein Notizbuch ab. In einer improvisierten Küche rührte er Teig an und schnitt daraus Buchstaben zu bestimmten Sätzen aus dem Notizbuch aus. Nachdem er sie aus dem Ofen genommen hatte, servierte er den Besuchern einzelne Sätze aus den Buchstaben auf Tellern auf einem Tresen in der Galerie. Dieser Vorgang wiederholte sich während der gesamten Ausstellung. Der Besucher konsumierte die zergliederten einzelnen Sätze, und was auf den Tellern zurückblieb, waren nur zufällig angeordnete Buchstaben ohne den entzifferbaren Inhalt dieses oder jenes Satzes - eine Situation, die in der alltäglichen Kommunikation vorkommt. Ondak wies auf die Gefahr des Besitzes von Informationen hin, auf die Gefahr des Abfangens, der Manipulation und der politischen Verzerrung der Bedeutung von Informationen, wobei er indirekt auf den tatsächlichen politischen Kontext der damaligen Zeit verwies.


Wenngleich weniger direct mit einer tatsächlichen Nahrungsaufnahme verbunden als Communicative Consumption, verweisen die Bestandteile von Sated Table auch auf den Boom der 1990er Jahre an, als nach Jahrzehnten der Zensur literarische und philosophische Werke veröffentlicht wurden. Die Arbeit kann so auch als spielerischer Verweis auf die Art und Weise verstanden werden, wie jeder Mensch Wissen anhäuft und ein Weltbild aus einer Ansammlung verschiedener Zutaten formt: eine Betrachtungsweise erdenkt. Die Interpretation der einzelnen Pakete und ihrer vermeintlichen Inhalte – zum Beispiel, ob Marcel süß oder salzig ist - bleibt natürlich individuellen Betrachter*innen von Sated Table selbst überlassen.


Weitere Informationen zu dieser Arbeit finden Sie in unserem PS81E Online Viewing Room.

Im Folgenden ein Auszug aus Ingrid Luquet-Gads interessantem Essay über das Werk von Hito Steyerl, der in der Juni-Ausgabe des französischen Magazins Numéro art veröffentlicht wird, das ab heute im Handel erhältlich ist.

(....)

Auch wenn heute die meisten Menschen Steyerls Werk wegen dessen beeindruckend effizienter Ästhetik kennen, würden wir sie, wenn wir sie noch einmal als Dokumentarfilmerin betrachten würden, vor der Gefahr bewahren, lediglich auf eine Künstlerin der Post-Internet-Jahre reduziert zu werden. Weil Steyerl keine Internet-Künstlerin ist, ist sie eine Künstlerin der Netzwerke, d.h. der Strukturen und Infrastrukturen. Unter dem Hochglanzlack der heutigen neuen Medien legt sie den militärisch-industriellen Komplex offen, der hinter der Entwicklung der Technologien steht, die wir alle heute benutzen, Technologien, die unsere Wahrnehmung der Welt verschlüsseln und unsere etablierten demokratischen Institutionen nicht nur zu untergraben, sondern sogar zu ersetzen drohen.

Wir alle sind uns dessen inzwischen bewusst, denn ein Skandal nach dem anderen zeigt, wie sehr die Finanzierung der meisten großen westlichen Kunstinstitutionen mit Blut befleckt ist, wie die jüngsten hochkarätigen Fälle, in denen die Mäzenatentum der Familie Sackler (deren Firmen hinter der Opioidkrise stehen) oder Warren B. Kanders (deren Firmen Waffen herstellen) angeprangert wurde. Zu Beginn eines neuen Jahrzehnts ist die Stimme Steyerls eine der wichtigen Stimmen, die ohne erkennbaren Bruch zwischen die Faltlinien der gegenwärtigen Wiederbelebung der Institutionskritik gelangt ist. Ihre Infragestellung der künstlichen Intelligenz und der Anwendungen von Smartphones (Leonardos Submarine und This is the Future, gezeigt auf der Biennale von Venedig 2019) stellt eine neue Angriffslinie dar, die ihrem zentralen Projekt, der Aufgabe, die sie unermüdlich verfolgt hat, eine weitere Dimension hinzufügt: dafür zu sorgen, dass die digitalen Technologien nicht mehr den Mächtigen dienen, die sie geschaffen haben, und stattdessen zu dem werden, wofür viele sie bereits halten, zu neutralen Werkzeugen im Dienste der Zivilgesellschaft.