Willkommen zum Brief aus Berlin!

In diesem Monat nehmen wir die beiden Ausstellungen von Ann Veronica Janssens in Südfrankreich und ihr Projekt im Pariser Panthéon als Ausgangspunkt, um Ausstellungen in Frankreich, Italien und an der Adriaküste vorzustellen, zumal die Sommerreisezeit begonnen hat. Wir stellen auch kürzlich eröffnete Ausstellungen in Berlin vor und hoffen, dass Sie nächste Woche zur Eröffnung von Summer '22 kommen, einer Gruppenausstellung mit Werken von Sarah Buckner, Ann Veronica Janssens, Sojourner Truth Parsons, Cemile Sahin, Julia Scher, Sun Yitian und Tao Hui. Die große Ausstellung von Ugo Rondinone in der Schirn in Frankfurt schließt unseren kleinen Überblick ab. Eine Podcast-Empfehlung, Liam Gillick über die Bonner Ausstellung Farbe als Programm und eine Auswahl neuer Bücher beschließen diesen Monat den Brief aus Berlin.

Wir wünschen Ihnen einen schönen Sommer!

Im Mittelpunkt der Arbeiten von Ann Veronica Janssens steht die Wahrnehmung der Welt und des eigenen Körpers in ihr. Sie verwendet häufig Licht, optische Naturphänomene oder Glas als Medium. Ihre wunderschön gefertigten Werke vermitteln den Eindruck großer Einfachheit und schaffen zugleich intensive Erfahrungen des Sehens, die ein erhöhtes Bewusstsein für die Veränderlichkeit und Flüchtigkeit der individuellen Wahrnehmung schaffen.

Es ist daher nicht verwunderlich, dass das Licht des südfranzösischen Midis, das seit Jahrhunderten eine eigene Faszination auf KünstlerInnen ausübt – man denke an van Goghs Schock angesichts seiner Intensität, Cezannes gleißende Konturen und Matisses leuchtende Farben – bei der die Konzeption dieser Projekte eine wichtige Rolle spielt. Sowohl in der Collection Lambert in Avignon als auch in der Fondation CAB in Saint-Paul-de-Vence arbeitet Janssens mit natürlichem Licht, das den Ausstellungsraum durchflutet oder – im letzteren Fall – auch moduliert.

Die Kunsthistorikerin Mieke Bal spricht in ihrer 2013 erschienenen Monografie Endless Andless über die transformative Erfahrung der Begegnung mit Janssens' Werk. Für Bal gibt es wichtige politische Implikationen in der Art und Weise, wie Janssens' Werke die Art und Weise verändern können, wie wir die Welt, uns selbst und andere in ihr sehen, aber es gibt auch das, was sie "ein Abenteuer der Verzauberung" nennt. Bal schreibt:

"Ann Veronica Janssens arbeitet mit dem, was ihr entgeht, nicht um es zu begreifen, sondern um mit seiner "Unbegreiflichkeit" zu experimentieren. In dieser Hinsicht ist sie eine Künstlerin mit der Haltung einer Wissenschaftlerin - im besten Sinne der wissenschaftlichen Praxis. Sie reist um die Welt, um Ereignissen wie Sonnenfinsternissen beizuwohnen; historischen und zeitgenössischen Versuchen, das Licht und die Wärme der Sonne einzufangen; Naturphänomenen, die das Sehen erschweren oder, im Gegenteil, das Sehen verstärken (wie der Nebel des vulkanischen Islands); und künstlichen, experimentellen Situationen wie Tests in Labors. Sie versucht, die Grenzen der Wahrnehmung zu verschieben, die Beteiligung der Sinne am Wahrnehmungsgeschehen zu vervielfachen und die Routine des tristen Alltags in ein Abenteuer der Verzauberung zu verwandeln. Sie bedient sich nicht der Repräsentation. Stattdessen schafft Janssens in ihrem Werk die Bedingungen für einen Übergang von einer Realität in eine andere." (Mieke Bal, Endless Andless, Bloomsbury, 2013. Für Bestellinformationen siehe unten).

—Isabelle Moffat

Ann Veronica Janssens
entre le crépuscule et le ciel
Collection Lambert
5 Rue Violette
84000 Avignon
Bis 9. Oktober 2022
www.collectionlambert.com

In diesem Frühjahr/Sommer 2022 wurde Ann Veronica Janssens zu einer Doppelausstellung in der Collection Lambert und der Fondation CAB (Saint-Paul-de-Vence) eingeladen. In Avignon hat sie eine Installation im ersten Stock des Hôtel de Montfaucon geschaffen, die auf eine Auswahl von bisher nicht gezeigten Kunstwerken von Dan Flavin Bezug nimmt, die in den Galerieräumen im Erdgeschoss zu sehen sind. In Saint-Paul-de-Vence, am anderen Ende der Provence, hat sie eine Situation geschaffen, in der ihr Werk die Installation in Avignon spiegelt und auf die Geschichte der beiden Ausstellungsorte eingeht.

Das Projekt entstand zwischen Frankreich und Belgien; im Laufe langer Gespräche auf den Straßen Südfrankreichs; auf der Fahrt von einem Ende der Provence zum anderen; durch Landschaften, die von klimatischen Schwankungen geprägt sind. Das wechselhafte, berauschende Licht der Provence war allgegenwärtig und beeinflusste die Erfahrung der für die Ausstellungen vorgesehenen Räume und der sie verbindenden Strecke.

Der Titel des Projekts ergab sich ganz natürlich aus dem einzigartigen Gedichtwerk La Postérité du Soleil, das aus der Begegnung von René Char, Albert Camus und Henriette Grindat auf den Straßen des Luberon, unweit der Papststadt, hervorgegangen ist. Die Präsenz des Lichts in diesen Fotografien und Texten, seine Wirkung auf das Land, die Gegenstände und die Wesen, deren Existenz es offenbart, bilden den Ausgangspunkt für eine neue Reise, in Begleitung der Künstlerin und ihrer Werke, in den Galerien der Collection Lambert und der Fondation CAB.

Im ersten Stock des Hôtel de Montfaucon hat Ann Veronica Janssens sich dafür entschieden, die sechsundzwanzig Fenster frei zu legen, die den Weg der BesucherInnen strukturieren und das Sonnenlicht den Raum von einer Seite zur anderen durchqueren lassen. Durch eine Reihe von Skulpturen, Installationen und Bodenarbeiten, in denen das Licht in verschiedenen Zuständen erlebt wird - reflektierend, absorbierend, transformierend, eingefangen - Situationen, in denen unsere betroffenen Körper und Geister ständig zwischen Kontemplation und Immersion navigieren, lädt Ann Veronica Janssens uns zu einer Erfahrung ein, in der die Spannung zwischen Auflösung und Resolution auf unbestimmte Zeit neu erfunden wird, neben uns und mit uns. "Ihre Verwendung des Lichts als Werkzeug, Material, Wissenschaft und Symbol für den Raum, den wir teilen, reißt uns aus unserer gewohnten Beziehung zu ihm heraus", um es mit den Worten von Mieke Bal auszudrücken, und erfindet die Möglichkeit neuer Beziehungen, die sich ständig erneuern.

Mit der Betitelung der Installation in Saint-Paul-de-Vence 5766 chemin des Trious - der genauen Adresse der Ausstellung - tritt Ann Veronica Janssens in die Fußstapfen einiger wichtiger KünstlerInnen der neuen Avantgarde der 1960er und 70er Jahre, von denen die Fondation CAB einige wichtige Werke besitzt. Wenn der Titel der Ausstellung den genauen Ort der Aktivierung, der Begegnung und des Erlebnisses angibt, werden Erinnerungen an die Aktionen oder Skulpturen von Stanley Brouwn wach (vor allem an Porträts, die er mit einem Metallstab anfertigt, der genau so groß ist wie das Subjekt); On Kawaras Date Paintings and Locations, bei denen die alleinige Angabe geografischer Koordinaten dazu einlädt, sich einen bestimmten Ort vorzustellen; oder auch die rohe Materialität von Dan Flavins Lichtinstallationen, deren berühmtes Mantra "It is what it is" das Werk auf die exakte Realität seiner Präsenz neben uns in den Räumen, die es einnimmt, zurückbringt.

Der Ausstellungskatalog zu beiden Ausstellungen erscheint bei Actes Sud editions.

Ann Veronica Janssens
23:56:04
Panthéon
Place du Panthéon
75005 Paris
Bis 30. Oktober 2022
www.paris-pantheon.fr

23:56:04, eine neue standortspezifische Arbeit von Ann Veronica Janssens, ist bis zum 30. Oktober im Panthéon in Paris zu sehen. Das Werk wurde unter der Kuppel des Pariser Wahrzeichens installiert und lädt die BesucherInnen ein, den historischen Ort und seinen architektonischen Raum neu zu entdecken.

Für 23:56:04 hat Ann Veronica Janssens einen riesigen Spiegel auf dem Boden unter dem permanent schwingenden Foucaultschen Pendel platziert - ein wissenschaftliches Gerät zur Demonstration der Erdrotation, das 1851 in das Innere des Gebäudes integriert wurde. Der Spiegel reflektiert das sich bewegende Pendel ebenso wie die monumentalen architektonischen Elemente des Panthéon, seine Kuppel, Friese, Brüstungen, Kolonnaden und Fresken.

Diese tiefe, fast abgrundtiefe Spiegelung lässt die BesucherInnen in das majestätische Volumen des Gebäudes eintauchen und inszeniert den physischen Effekt des Vertigo. Mit diesem minimalen, aber beeindruckenden architektonischen und sensorischen Eingriff, versucht die Künstlerin, die Erfahrung der BesucherInnen dieses großen Pariser Bauwerks neu zu konfigurieren.

Ein Katalog ist in Vorbereitung.

artmonte-carlo 2022
Booth 08
Grimaldi Forum
10, Avenue Princesse Grace
98000 Monaco
Bis 16. Juli 2022
Further information

Besuchen Sie uns an unserem Stand auf der artmonte carlo, wo wir Werke von Angela Bulloch, Etienne Chambaud, Simon Fujiwara, Liam Gillick, Ann Veronica Janssens, Isa Melsheimer, Philippe Parreno, Sojourner Truth Parsons und Ugo Rondinone präsentieren.

Auf der Esplanade ist Angela Bullochs Außenskulptur Pentagon Totem: High Five während der gesamten Dauer der Messe zu sehen.

Wenn Sie ein Preview-Dossier erhalten möchten oder Fragen zu unserer Präsentation auf der artmonte carlo haben, wenden Sie sich bitte an Julia Séguier seguier@estherschipper.com

Sculpture Park
Mit Gabriel Kuri und Isa Melsheimer
Domaine du Muy
83490 Le Muy
Permanent
www.domainedumuy.com
Nur nach Vereinbarung: info@domainedumuy.com

Im Skulpturenpark der Domaine du Muy sind Werke von Gabriel Kuri und Isa Melsheimer nach Vereinbarung zu sehen.

Gabriel Kuris Untitled (100%), 2011, besteht aus vier Teilen, von denen jeder ein Viertel eines Kreises darstellt. Zusammen bilden sie die im Titel erwähnten "100%". Die Position der Elemente ist wichtig, denn der Künstler stellt sie sich sowohl in einer realistischen als auch in einer symbolischen Dimension vor. Einige sind aneinandergereiht, übereinandergestapelt, gestapelt oder gruppiert. Kuris Metallskulpturen stellen eine Verbindung zwischen der Formensprache der modernistischen Bildhauerei und den Konventionen der Darstellung wirtschaftlicher und statistischer Daten in Kurven, Kreisdiagrammen und anderen Diagrammen her.

Isa Melsheimer, Domestic Landscape and Affinities, 2014, ist ein Werk, das mit Hilfe von Formschalungen entstanden ist, einer Technik, die eher beim Bau von Gebäuden zum Einsatz kommt und bei der eine Form mit Zement gefüllt wird. Die mehrstufige Form umfasst ebene Flächen, auf denen Pflanzen oder Gegenstände platziert werden können oder auf denen sich die BesucherInnen setzen können. Die Komposition des Werks erinnert an die brutalistische Architektur der 1960er und 1970er Jahre. Das Werk ist Teil der Forschungen der Künstlerin über architektonische Formen und insbesondere über das Erbe des Modernismus und seiner Nachkommenschaft.

Echo2: a Carte Blanche for Philippe Parreno mit Arca, Nicolas Becker, und Tino Sehgal
Rotunde der Bourse de Commerce - Pinault Collection, Paris
Bis 26. September 2022

im Rahmen von

Une Seconde d'éternité
Mit Ryan Gander, Dominique Gonzalez-Foerster, Pierre Huyghe, Philippe Parreno, Anri Sala, Tino Sehgal, unter anderem.
Bourse de Commerce - Sammlung Pinault
Bis 2. Januar 2023
www.pinaultcollection.com

Für Echo2 hat Philippe Parreno die Rotunde der Bourse de Commerce in ein fast schwereloses Territorium verwandelt, das sich außerhalb der Welt und außerhalb der Zeit befindet. Darin bringt er verschiedene Zeitlichkeiten und Klimazonen zusammen - die Gegenwart eines Sommers und die unbestimmte Zukunft eines kommenden Winters. Die verschiedenen Elemente werden undeutlich und vermischen sich: Luft und Licht, Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft, Realität und Fiktion, wodurch neue Arten von Empfindungen entstehen, die auf den Körper der BesucherInnen einwirken und die Struktur in einen immateriellen Zustand verwandeln.

In dieser neuen Saison, in der Sommer und Winter, das Bedürfnis nach dem Hier und Jetzt und die Suche nach dem Unendlichen, so schwer fassbar es auch sein mag, zusammenkommen, nimmt Une seconde d'éternité (Eine Sekunde der Ewigkeit) die BesucherInnen mit auf eine Reise, die von der Frage und der Erfahrung der Zeit inspiriert ist, und zwar anhand einer Auswahl von Kunstwerken aus der Sammlung Pinault.

Lines of Flight
Mit Isa Melsheimer
Centre international d'art et du paysage
Vassivière Island
Bis 6. November 2022
www.ciapiledevassiviere.com

Lines of Flight, mit Isa Melsheimer, ist eine kollektive Ausstellung, die sich mit Ideen der grenzüberschreitenden Bewegung über territoriale und politische Grenzen hinweg beschäftigt. Indem sie natürliche und anthropogene Prozesse zusammenführen, hinterfragen die ausgestellten Werke Begriffe wie heimische und nichtheimische Arten, Klimawandel sowie freiwillige und unfreiwillige Migrationen. Von den wissenschaftlichen Expeditionen des 19. Jahrhunderts, die die imperiale Expansion erleichterten, über die transnationale Bewegung von Pflanzen bis hin zur Durchquerung von Gebieten durch Migranten. Die Ausstellung zeigt eine Reihe von Begegnungen zwischen Pflanzen, Tieren und Menschen in all ihren unterschiedlichen Zuständen der Unruhe.

Isa Melsheimer hat für die Ausstellung einen neuen Wardschen Kasten konzipiert.

Angela Bulloch
Perpendicular Paradigm
Musée d'Arts de Nantes
10 Rue Georges Clemenceau
44000 Nantes
Bis 30. August 2022
www.museedartsdenantes.fr

Unter dem Titel Perpendicular Paradigm (Senkrechtes Paradigma) findet im Musée d'arts de Nantes noch bis zum 30. August die große Einzelausstellung von Angela Bulloch mit aktuellen Arbeiten statt. Indem sie die Konstellationen des Sternenhimmels über dem Museum zur Sommersonnenwende 2021 rekonstruiert, hat die Künstlerin das Firmamental Square, ein monumentales Werk aus der Serie der Night Sky Arbeiten, im Atrium des Museums installiert.

Geometrische Skulpturen aus Holz, Metall oder synthetischem Marmor bevölkern die Ausstellungsräume zusammen mit ihren Schatten-Wandbildern. Darüber hinaus präsentiert eine neue Zweikanal-Videoanimation eine 3D-Version der Ausstellung selbst und zeigt einen Ausschnitt einer Meta-Realität, eine Ausstellung in der Ausstellung mit zwei erfundenen Figuren, die durch die Ausstellung wandern; eine ist scheinbar menschlich und die andere ist ein Planetensystem, das aus Elementen des Werks der Künstlerin besteht.

Zur Ausstellung ist ein Katalog im Verlag Bernard Chauveau erschienen – zu bestellen here.

burn shine fly
Ugo Rondinone

Bis 24. September 2022 verlängert!

Scuola Grande di San Giovanni Evangelista
San Polo, 2454
30125 Venedig
Vaporetto: San Tomà
Dienstag – Samstag, 11:00 – 18:00 Uhr

Sehen Sie den Film zur Ausstellung unter www.burnshinefly.com

Auf www.burnshinefly.com finden Sie auch die Beschreibungen von Ugo Rondinone zu den Werken, die in dieser Einzelausstellung in der Scuola Grande di San Giovanni Evengelista gezeigt werden.

Hier sein Text zu den in der Kapelle hängenden Figuren.

Im Jahr 2009 habe ich Abgüsse von 14 nackten Tänzern in kontemplativen Positionen gemacht. Die Körper wurden aus einem Gemisch aus Erde und transparentem Wachs hergestellt. Die Erde stammte aus allen sieben Kontinenten. Letztes Jahr habe ich eine neue Videoinstallation mit dem Titel 'burn to shine' begonnen. Sie zeigt 18 Tänzer, die von Sonnenuntergang bis Sonnenaufgang um ein Feuer in der Wüste tanzen. Ähnlich wie in der griechischen Mythologie der Phönix, der unsterbliche Vogel, der sich zyklisch regeneriert, verschmelzen die Tänzer mit dem Feuer und erhalten bei Sonnenaufgang einen neuen Lebenszyklus. Die sieben fliegenden Körper sind ebenfalls Abgüsse von Tänzern. Ihre Körper sind als wolkenverhangener Himmel getarnt. Die fliegenden Körperwolken markieren das Ende einer Trilogie, in der der menschliche Körper mit den Elementen der Natur verschmilzt: Erde, Feuer, Wasser und Luft. - ugo rondinone

Ein umfassend bebilderter Ausstellungskatalog wird im Herbst 2022 bei Skira erscheinen.

Glasstress 2022 – State of Mind
Mit Ryan Gander
Berengo Studio
Fondazione Berengo Art Space
Campiello della Pescheria 4
Murano, Venedig
Bis 27. November 2022
www.berengo.com

Wie entscheiden wir uns in einer Welt des ständigen Wandels, der ständigen Umwälzungen und unerwarteten Wendungen? Glasstress - State of Mind präsentiert die siebte Ausgabe der berühmten Ausstellung für zeitgenössische Kunst aus Glas. Ursprünglich 2009 als Begleitveranstaltung zur Biennale von Venedig ins Leben gerufen, hat die Ausstellung weiterhin internationale KünstlerInnen und DesignerInnen interessiert, die mit dem Medium Glas experimentieren wollen.

Uncombed, Unforeseen, Unconstrained
Mit David Claerbout
Conservatorio di Musica Benedetto Marcello, Venedig
Parasol Unit at 59th Biennale Arte di Venezia
Bis 27. November 2022
www.parasol-unit.org

Für die Dauer der 59. Biennale Arte di Venezia, bis zum 27. November 2022, präsentiert Parasol unit Uncombed, Unforeseen, Unconstrained, eine Gruppenausstellung mit Werken von elf internationalen zeitgenössischen bildenden KünstlerInnen im Conservatorio di Musica Benedetto Marcello in Venedig.

Die Ausstellung vereint vielfältige und zum Nachdenken anregende Werke und umfasst einige interdisziplinäre Kooperationen zwischen Musik und bildender Kunst. Die KünstlerInnen Darren Almond, Oliver Beer, Rana Begum mit Hyetal, Julian Charrière, David Claerbout, Bharti Kher, Arghavan Khosravi, Teresa Margolles, Si On, Martin Puryear und Rayyane Tabet arbeiten alle mit unterschiedlichen Medien und setzen sich mit einer Vielzahl von Themen auseinander. Allen gemeinsam ist jedoch die tiefe Sorge um unsere Welt und die Beschäftigung mit einem vergleichbaren Phänomen, das in der Wissenschaft als Entropie definiert wird, d. h. als Maß für die Unordnung, den Zufall und die Unvorhersehbarkeit innerhalb eines Systems.

Anri Sala
Transfigured
GAMeC
Palazzo della Ragione
24129 Bergamo
Bis 16. Oktober 2022
www.gamec.it

In seiner Einzelausstellung Transfigured im Palazzo della Ragione interpretiert Anri Sala den architektonischen Kontext "nicht als bloßen Behälter, sondern als aktives Organ" und wendet dabei eine Methode an, die er bereits bei anderen Gelegenheiten angewendet hat. Nach Ansicht des Künstlers kann jeder physische Raum Werte und Erinnerungen beherbergen, die von Zeit zu Zeit durch die Interaktion mit dem Kunstwerk reaktiviert werden können. Im Fall der Sala delle Capriate wird diese Dynamik in Bezug auf die jahrhundertealte Geschichte des Gebäudes - der erste städtische Palazzo in Italien, der später unter der Republik Venedig in den Justizpalast umgewandelt wurde - und die antiken Fresken, die es beherbergt, weiterentwickelt (mit einer Art Verstärkung des Effekts).

Auf eine 16 Meter lange, hängende Leinwand projiziert, konzentriert sich Time No Longer auf das Bild eines Plattenspielers, der in einer Raumstation schwebt. Der Plattenspieler, der nur mit dem Stromkabel verbunden ist, spielt ein neues Arrangement des Quartetts für das Ende der Zeit ab: die Komposition des französischen Musikers Olivier Messiaen, die als sein berühmtestes musikalisches Werk gilt und in Gefangenschaft entstand. Während des Zweiten Weltkriegs wurde Messiaen (1908-1992) in Verdun gefangen genommen und kam in ein deutsches Lager. In dieser Zeit schrieb er das Quartett für das Ende der Zeit, das er 1941 zusammen mit drei anderen Musikern, die ebenfalls in Gefangenschaft waren, vor einem Publikum, das nur aus Gefangenen und Wachleuten bestand, zum ersten Mal aufführte. Bei der Entstehung von Time No Longer ließ sich Sala insbesondere von dem einzigen Solosatz des Quartetts inspirieren, "The Abyss of the Birds", der für Klarinette geschrieben und von seinem algerischen Kameraden und Musiker Henri Akoka gespielt wurde.

Anlässlich der Ausstellung wird der erste Band einer neuen Essayreihe von NERO und GAMeC veröffentlicht, die mit den Ausstellungsprojekten im Palazzo della Ragione in Bergamo in Verbindung steht. Der erste Essay wird von dem französischen Philosophen und Musikwissenschaftler Peter Szendy verfasst.

TOGETHER. Interact – Interplay – Interfere
mit Ari Benjamin Meyers
Kunst Meran
Laubengasse 163
39012 Meran
Bis 9. September 2022
www.kunstmeranoarte.org

Nach mehr als zwei Jahren der Pandemie und der sozialen Distanz kehrt Kunst Meran zurück, um das Miteinander und verschiedene Formen der sozialen Interaktion zu feiern und kritisch zu untersuchen. Die Ausstellung erkundet die unterschiedlichen Arten, wie Gemeinschaft durch Kunst ausgedrückt wird. Einerseits bringt sie Werke zusammen, die zeigen, dass wir über unser individuelles Selbst hinausgehen und als Gruppe bedeutende Ziele erreichen können, andererseits thematisiert sie die Tendenz von Gruppen, Vielfalt und Individualität zu unterdrücken. Während der Ausstellung ist das Publikum eingeladen, seine Komfortzone zu verlassen und eine aktive Rolle einzunehmen, um Gemeinschaft auf direkte Weise zu erleben.

Kuratiert von Judith Waldmann, umfasst die Ausstellung TOGETHER. Interact - Interplay - Interfere Arbeiten von Adrian Piper, Anna Maria Maiolino, Ari Benjamin Meyers, Bart Heynen, Brave New Alps und MAGARI, Christian Niccoli, Daniel Spoerri, Francis Alÿs, Franz Erhard Walther, Hannes Egger, Isabell Kamp, Jivan Frenster, Karin Schmuck, Marina Abramović und Ulay, Melanie Bonajo, Norma Jeane, Officinadïue, Rirkrit Tiravanija, SPIT! Tania Bruguera, und Yoko Ono.

Il video rende felici (Video Makes You Happy. Video Art In Italy)
mit Rosa Barba
Palazzo delle Esposizioni di Roma
Via Nazionale, 194
00184 Rom
Bis 4. September 2022
www.palazzoesposizioni.it

Video Makes You Happy - Video Art in Italy, kuratiert von Valentina Valentini, ist eine Ausstellung, die sich auf zwei Ausstellungsorte, den Palazzo delle Esposizioni und die Galleria d'Arte Moderna, verteilt und die Produktion von Kunstvideos und Arthouse-Kino in Italien zwischen den späten 1960er Jahren und dem Beginn des neuen Jahrtausends in den Mittelpunkt stellt.

Die Ausstellung entfaltet sich inmitten einer Vielzahl von Formaten, die von Einkanalvideos bis hin zu Videoinstallationen, multimedialen Videos, interaktiven Videos und Apparaten reichen, mit denen die Produktions- und historischen Prozesse der Werke nachvollzogen werden können. An dem Projekt sind über 100 KünstlerInnen beteiligt, die in den letzten sechzig Jahren elektronische und digitale Geräte in ihren vielfältigen Aspekten als vorrangiges Medium für audiovisuelle Forschung und Experimente genutzt haben.

Italien, das beispielhafte und bahnbrechende Initiativen fördert, war schon immer ein künstlerischer und kultureller Brennpunkt für Videoexperimente in Bezug auf Vielfalt, Qualität und internationale Reichweite.

Afterimage
mit Thomas Demand
MAXXI L’AQUILA
Museo nazionale delle arti del XXI secolo
Piazza Santa Maria Paganica, 15
67100 L’Aquila AQ
Bis 19. Februar 2023
www.maxxilaquila.art

Am 2. Juli wurde im MAXXI L'AQUILA die von Bartolomeo Pietromarchi und Alessandro Rabottini kuratierte Ausstellung Afterimage eröffnet. Sie zeigt 26 internationale KünstlerInnen aus verschiedenen Generationen und umfasst neu in Auftrag gegebene Arbeiten und ortsspezifische Installationen, historische Werke aus der MAXXI-Sammlung sowie monografische Räume mit Werken von den 1960er Jahren bis heute. Afterimage ist eine Meditation über Erinnerung und Metamorphose und befasst sich mit den unvorhersehbaren Formen - sowohl materiell als auch metaphorisch -, in denen das, was verschwunden ist, stillschweigend in Räumen, Körpern und Bedeutungen fortbesteht. Afterimage umfasst eine Vielzahl von Medien, darunter zeitgenössische und historische Experimente in Fotografie und Film, räumliche Interventionen, Gemälde und Skulpturen, und erforscht die Überschneidungen von fragmentierten Ikonografien, veränderlichen Materialien, Wahrnehmungserinnerungen und sich wandelnden Körpern.

Afterimage umfasst Werke von Francis Alÿs, Francesco Arena, Stefano Arienti, Benni Bosetto, Mario Cresci, June Crespo, Thomas Demand, Paolo Gioli, Massimo Grimaldi, Bronwyn Katz, Esther Kläs, Oliver Laric, Tala Madani, Anna Maria Maiolino, Marisa Merz, Luca Maria Patella, Hana Miletić, Luca Monterastelli, Frida Orupabo, Pietro Roccasalva, Mario Schifano, Elisa Sighicelli, Paloma Varga Weisz, Danh Vo, Dominique White, He Xiangyu.

Der Titel der Ausstellung bezieht sich auf die optische Täuschung des residualen Bildes, das entsteht, wenn ein visueller Reiz einen Eindruck auf der Netzhaut erzeugt, der auch nach dem Verschwinden des Reizes bestehen bleibt, wie es beispielsweise beim Blitzlicht einer Kamera der Fall ist.

Hito Steyerl
Virtual Leonardo's Submarine

grey) (area – space for contemporary and media art
Korčula Town Museum, Korčula
17. – 25. Juli 2022
19:00-21:00 Uhr
www.sivazona.hr

Anläßlich des Filmfestivals von Locarno im
Il Rivellino, Locarno
3. – 13. August 2022
www.locarnofestival.ch

Hito Steyerls Virtual Leonardo's Submarine kann im Juli im Stadtmuseum Korčula
und im August während des Filmfestivals in Locarno angeschaut werden.

Ebenfalls in Locarno wird Hito Steyerl am Donnerstag, den 11. August um 13.30 Uhr in einem öffentlichen Gespräch mit Kevin B. Lee, Professor für die Zukunft des Kinos und der audiovisuellen Künste am USI Locarno Film Festival, im Forum @ Spazio Cinema über ihre Arbeit sprechen.

Die VR-Erfahrung von Virtual Leonardo's Submarine ist eine Überarbeitung von Leonardo's Submarine, das ursprünglich 2019 als Video-Environment für die 58. Biennale von Venedig konzipiert wurde.

Beim Eintritt in den virtuellen Raum schweben die BetrachterInnen unter Wasser, umgeben von Fischen, Algen und Korallen. Der Avatar der Künstlerin in voller PEOPLE-Ausrüstung schwimmt nebenher. Leonardo's Submarine wird auf drei virtuelle gebogene Bildschirme projiziert, die die BetrachterInnen umgeben. Das Drei-Kanal-Video zieht eine Parallele zwischen Leonardo da Vincis primitivem U-Boot, das erstmals im frühen 16. Jahrhundert skizziert wurde, und Leonardo S.p.A., ehemals Leonardo-Finmeccanica, einem italienischen High-Tech-Unternehmen, das zu den wichtigsten Akteuren in den Bereichen Luft- und Raumfahrt, Verteidigung und Sicherheit gehört. Leonardo S.p.A., das sich über das Wirtschafts- und Finanzministerium teilweise im Besitz der italienischen Regierung befindet, hat Waffen geliefert, die von den türkischen Streitkräften gegen die Zivilbevölkerung in Syrien eingesetzt wurden, und Kriegsflugzeuge an Saudi-Arabien verkauft.

Steyerl nimmt die BetrachterInnen mit auf eine metaphorische Reise an Bord von Leonardos Schiff. Die Lagune, die Palazzi und der Himmel von Venedig, die durch die Videoverarbeitung mit künstlicher Intelligenz generiert wurden, wirken traumhaft und fremdartig, während eine Off-Stimme von Technologie, Macht, Korruption, Kunst und Krieg spricht - Themen, mit denen sich die Künstlerin in den letzten Jahren intensiv auseinandergesetzt hat.

Manifesta 14
mit Ugo Rondinone
Verschiedene Orte, Prishtina
22. Juli – 30. Oktober 2022
www.manifesta14.org

Für die Manifesta 14 bringt Ugo Rondinone ein Objekt der "Schönheit und Kontemplation" an einem der meistbesuchten öffentlichen Treffpunkte Prishtinas - dem Adem Jashari-Platz - hervor, und das in einer Zeit, in der Denkmäler auf der ganzen Welt wegen ihrer Verstrickung mit Ideologien in Frage gestellt werden.

Eine der wichtigsten Komponenten der Manifesta, der Europäischen Nomadenbiennale, ist die starke Fokussierung auf die Stadtentwicklung in den Gastgeberstädten. Für die Manifesta 14 Prishtina 2022 hat das in Turin ansässige Büro CRA-Carlo Ratti Associati eine urbane Vision für die Hauptstadt des Kosovo entwickelt, die auf einer innovativen, open-source Urbanismus-Methode und dem Einsatz von A.I.-Technologie zur Analyse des öffentlichen Raums in Prishtina basiert. Die Urban Vision gibt Aufschluss darüber, wie die Manifesta 14 im lokalen Kontext Gestalt annehmen wird, vor allem aber soll sie entwickeln, wie die Stadt Prishtina durch die Rückgewinnung des öffentlichen Raums durch ihre Bürger verändert werden könnte.

Unter dem Titel It matters what world worlds world: how to tell stories otherwise wurde das Programm von der Creative Mediatorin Catherine Nichols in enger Zusammenarbeit mit lokalen Kollektiven, KünstlerInnen, WissenschaftlerInnen, ArchitektInnen und AktivistInnen gemeinsam mit dem Manifesta 14-Team entwickelt. Auf einem Parcours, der aus 25 verschiedenen ikonischen Orten in Prishtina besteht - vom brutalistischen Palast für Jugend und Sport bis zum Großen Hamman aus osmanischer Zeit - wird die Manifesta 14 künstlerische und urbane Interventionen und eine thematische Ausstellung auf sieben Etagen bieten. An dem Biennale-Programm nehmen über 100 TeilnehmerInnen aus mehr als 30 Ländern teil, die Ausstellungen, Veranstaltungen, Performances und Interventionen in öffentlichen Räumen in ganz Prishtina präsentieren werden.

Tresor 31
Techno, Berlin und die große Freiheit
mit Hito Steyerl
Tresor Berlin
Köpenicker Str. 70
10179 Berlin
Bis 28. August 2022
www.tresorberlin.com

Techno, Berlin und die große Freiheit ist ein personalisiertes, audiogestütztes Ausstellungserlebnis, das im Kraftwerk stattfindet. Anhand von Filmen, Skulpturen, Archivobjekten und Fotografien erforscht die Ausstellung die drei Jahrzehnte lange Geschichte, die den "Big Bang" von Techno im Berlin der frühen 90er Jahre kontextualisiert. Spezifische historische Bedingungen schufen die äußeren Umstände für die Explosion dieser Bewegung an diesem Ort und zu dieser Zeit. Die Ausstellung untersucht die kurvenreiche Reise des Tresors im Kontext - von seiner Vorgeschichte in den ungewöhnlichen wirtschaftlichen und sozialen Bedingungen West-Berlins bis zu seinem Übergang in die kosmopolitische Hauptstadt von heute. Anhand von Archivmaterialien und Kunstwerken, kombiniert mit einem verräumlichten Kopfhörer-Audiosystem, erforscht die Ausstellung von Tresor 31 die persönlichen Erzählungen, die die Techno-Kultur seit ihren Anfängen als künstlerische und soziale Bewegung untermauert haben.

'...'
mit Isa Melsheimer
TROPEZ
Sommerbad Humboldthain
Wiesenstraße 1
13357 Berlin
Bis 19. August 2022
www.tropeztropez.de

Das TROPEZ, ein Raum für Kunst im Sommerbad Humboldthain, zeigt im Rahmen seiner jährlichen Sommerausstellung eine Gruppenausstellung mit Arbeiten von Ana Alenso, Grit Burmeister & Franzi Kleinert, Samira Hodaei, Lungiswa Gqunta, Isa Melsheimer, Nadim Vardag, Shira Wachsmann, Mara Wohnhaas.

Außenskulpturen und (Video-)Installationen übersetzen die Auswirkungen unterschiedlicher Krisen und sozialer Ungerechtigkeit in greifbare Bilder. … reagiert auf die Sprachlosigkeit in Anbetracht des aktuellen Weltgeschehens und zitiert die drei aus Messengerdiensten bekannten Punkte, die immer dann erscheinen, wenn die Person auf der anderen Seite gerade schreibt. Was könnten wir antworten?

Opera Opera. Allegro ma non troppo
mit Rosa Barba
Palais Populaire
Unter den Linden 5
10117 Berlin
Bis 22. August 2022
www.palaispopulaire.db.com

Mit Opera Opera. Allegro ma non troppo präsentiert das PalaisPopulaire eine ebenso umstrittene wie geliebte Kunstform, die ein elementarer Bestandteil der italienischen Kultur ist. „Oper“ leitet sich vom italienischen Begriff des „Werkes“ ab. Sie befindet sich in ständigem Wandel und inszeniert seit jeher den Prozess des Schaffens, der Arbeit und des Tuns mit Fantasie und Kreativität. In der Oper spiegelt sich das Drama des Lebens wider; in ihr vereinen sich zahlreiche Disziplinen – von der Musik bis zur Poesie, vom Design bis zur Choreografie, von der Malerei bis zum Schauspiel, vom Film bis zur Performance. Die vom MAXXI, dem römischen Nationalmuseum der Künste des 21. Jahrhunderts, konzipierte Schau, an der dreißig ProtagonistInnen der internationalen Kunst beteiligt sind, ist eine Hommage an die Oper aus der Perspektive der zeitgenössischen bildenden Kunst und Architektur.

Opera Opera ist ein offenes Gesamtkunstwerk, ein fruchtbarer Ort für künstlerische und interdisziplinäre Begegnungen, die sich mit dem Theater und der Darstellung des Selbst und der Welt auseinandersetzen. So reflektieren die eingeladenen KünstlerInnen über die Inszenierung und Darstellung des Lebens. Sie untersuchen Themen wie den Körper und seine Wahrnehmung, die Performativität der künstlerischen Geste, die räumliche Erfahrung von Klang, das Theater des Alltags oder die Maskierung der Realität.

Ugo Rondinone
LIFE TIME
Schirn Kunsthalle
Römerberg
60311 Frankfurt am Main
Bis 18. September 2022
www.schirn.de

Die Schirn Kunsthalle Frankfurt widmet Ugo Rondinone eine große Ausstellung mit dem Titel LIFE TIME, die zentrale Gemälde, Skulpturen und Videoarbeiten des Künstlers zeigt.

Ugo Rondinone verleiht alltäglichen Dingen oder Phänomenen eine poetische Dimension. Ein Baum, eine Uhr, die Sonne oder ein Regenbogen mittels Wiederholung, Isolation oder Reduktion setzt er sie in seinen charakteristischen, stets minimalistisch bespielten Räumen in einen neuen Kontext und schafft atmosphärische Stimmungsbilder. Die Schirn widmet dem renommierten Schweizer Künstler eine große Überblicksausstellung und präsentiert zentrale Gemälde, Skulpturen und Videoarbeiten.

Die Ausstellung LIFE TIME verbindet wesentliche Themen, die das Schaffen des Konzept- und Installationskünstlers seit 30 Jahren prägen: Zeit und Vergänglichkeit, Tag und Nacht, Realität und Fiktion, Natur und Kultur. Immer wieder greift Rondinone in seinen Arbeiten auf die Ikonografie der Romantik zurück oder zitiert aus der Literatur und Popkultur. Der Ausgangspunkt seines multimedialen Œuvres ist die Transformation der Außenwelt in eine subjektive, emotionale Innenwelt. Die Betrachtenden treten in einen Dialog mit den ausge­stellten Arbeiten und werden Teil der immersiven Installationen.

Color as Program
mit Werken von Rosa Barba, Angela Bulloch,
Dominique Gonzalez-Foerster, Hito Steyerl und anderen
Co-Curator und Ausstellungsarchitektur von Liam Gillick
Bundeskunsthalle Bonn
Bis 7. August 2022
www.bundeskunsthalle.de

Zentrales Thema von Farbe als Programm ist die künstlerische Auseinandersetzung mit der affektiven und repräsentativen Kraft der Farbe. Mehr als je zuvor ist die Bedeutung von Farbe zu einem komplexen Konstrukt gesellschaftlicher Konventionen geworden. Die bildende Kunst spielt in der Ausstellung eine zentrale Rolle - nicht zuletzt wegen ihrer Fähigkeit, abstrakte Denkräume zu eröffnen.

Der Rundgang durch die Ausstellung und ihr assoziativer Ansatz sind integraler Bestandteil des übergreifenden Konzepts, das durch die raumgreifende, ortsspezifische Architektur, die der Künstler und Ko-Kurator Liam Gillick für die große zentrale Galerie entwickelt hat, noch verstärkt wird.

Hören Sie den Podcast von Liam Gillick über die Ausstellung here.