Willkommen zu unserem Brief aus Berlin!

Diese Woche nehmen wir den Start unseres Ari Benjamin Meyers Online Viewing Room zum Anlass, uns in diesem Brief aus Berlin etwas auf Musik zu konzentrieren.

Wir stellen Meyers' mit einem Film-Streaming seines 2018 Four Liverpool Musicians und einem Text von Alexander Abdelilah vor. Das Gespräch von Meyers mit Michael Langer im Deutschlandfunk ist auch verlinkt. (Bitte beachten Sie, dass diese wöchentlichen Viewing-Links temporär sind: Der Film ist nur bis Sonntagnacht, Berliner Zeit, zu sehen).

In einem kürzlich geführten Interview mit der in Wien lebenden Kuratorin Alexandra Grimmer sprach Liu Ye über das Hören von Musik in seinem Studio. Nachfolgend Auszüge aus dem umfassenden Gespräch.

Ryan Gander hat seine Fähigkeiten als DJ geübt. Sehen und hören Sie sich seine Sendung an, die an seinem Geburtstag aufgenommen wurde.

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Bleiben Sie gesund.

Die Filmvorführung dieser Woche zeigt Ari Benjamin Meyers Four Liverpool Musicians (Bette, Budgie, Ken, Louisa), der anlässlich der Liverpool Biennale 2018 konzipiert wurde. Der Film verbindet die persönliche Geschichte der Protagonisten mit der Musikgeschichte Liverpools, repräsentiert die wichtigsten musikalischen Strömungen und bezieht sich gleichzeitig auf die industrielle Vergangenheit der Stadt. Dies ist das erste filmische Werk des Künstlers. Es ist 52 Minuten lang. Bitte beachten Sie, dass Kopfhörer empfohlen werden, um die volle Bandbreite des Audios und der Musikperformances zu hören.

Die vier Musiker, die im Werk von Meyers porträtiert werden, sind eng mit der Geschichte der Liverpooler Musikszene verbunden:

Bette Bright war Sängerin der legendären Art-Rock-Band Deaf School. Nachdem Deaf School sich aufgelöst hatte, ging Bright mit ihrer Begleitband The Illuminations solo. Der Journalist und Autor Paul Du Noyer sagte einmal über sie: "In der gesamten Geschichte der Liverpooler Musik sind zwei Bands am wichtigsten, die eine sind die Beatles und die andere die Deaf School.

Peter Edward Clarke, professionell unter dem Namen Budgie bekannt, ist ein englischer Schlagzeuger. Als er in Liverpool lebte, war er Mitbegründer der Bands The Spitfire Boys und Big In Japan. Danach wurde er 1979 Schlagzeuger der Slits und später der Band Siouxsie and the Banshees (1979-96) und des Schlagzeug- und Gesangsduos The Creatures (1981-2004). Im Jahr 2013 stufte Spin ihn auf Platz 28 in ihrer Liste der "100 größten Schlagzeuger der alternativen Musik" ein. Derzeit tritt er unter anderem mit John Grant und Coco Rosie auf.

Ken Owen ist ein englischer Schlagzeuger. Er ist vor allem als eines der Gründungsmitglieder von Carcass bekannt, einem der frühen Pioniere des Death Metal-Genres. Ihm wird oft zugeschrieben, den Blast Beat erfunden zu haben. Im Februar 1999 erlitt er eine schwere Gehirnblutung und verbrachte zehn Monate in einem Krankenhaus, wo er langsam aus dem Koma erwachte, was es ihm damals unmöglich machte, weiter Schlagzeug zu spielen.

Louisa Roach ist die Songwriterin und Leadsängerin der in Liverpool ansässigen Band She Drew the Gun. Sie gewann 2016 den Nachwuchswettbewerb des Glastonbury Festivals. Ihre Musik wurde als Psych Pop beschrieben und ist für ihre oft politischen Texte bekannt. Derzeit befinden sie sich auf ihrer ersten großen Headliner-Tournee.

In seiner Zusammenfassung aus dem kürzlich erschienenen Künstlerbuch von Ari Benjamin Meyers, Tacet in Concert, schrieb der Kunsthistoriker Jörn Schafaff:

"Ein filmisch-musikalisches Porträt von vier Musikern: zwei Schlagzeugern und zwei Sängern, die aus Liverpool stammen oder musikalisch eng mit Liverpool verbunden sind: Bette Bright (Deaf School), Budgie (Siouxsie and the Banshees, Big in Japan), Ken Owen (Carcass) und Louisa Roach (She Drew The Gun). Für jeden von ihnen schrieb Meyers eine Komposition, die auf ihren musikalischen Hintergrund und ihre aktuelle musikalische Praxis zugeschnitten ist. Sie wurden dann bei der Aufführung der Partituren auf der leeren Bühne von Liverpools, Playhouse Theatre, gefilmt, genau dort, wo die Videoinstallation während der Ausstellung installiert wurde. Zusätzlich wurden die Musiker gefilmt, wie sie über Kopfhörer in Stille der Wiedergabe ihrer eigenen Aufführung lauschten, die alle in einzelnen Takes stattfand. Der Dreikanal-Film zeigt die vier Performances und die Stillen zusammen in unterschiedlicher Überlappung, so dass eine filmische Meta-Komposition entsteht. Während der Film sich in einem Loop wiederholte, betraten die Besucher den abgedunkelten Zuschauerraum und konnten dort entweder Platz nehmen oder sich im Raum bewegen."

Eine Band, die vertraglich verpflichtet ist, sich aufzulösen, sobald sie ausreichend geprobt haben, um aufzutreten. Ein Orchester, das auseinandergezogen wird: jedes Mitglied isoliert in einem anderen Raum eines Museums. Ein Club, der nur allein besucht werden kann. Ein Dirigent ohne Orchester, aber ein Publikum, das "zuhört", wenn er eine nicht offengelegte Partitur dirigiert. Ein Duett zwischen Fremden.

Zu den Titelfiguren bekannter literarischer Werke, die zu idiomatischen Vertretern der Isolation geworden sind - Alan Sillitoe's Langstreckenläufer und Peter Handkes Torwart - muss man den Künstler hinzufügen: Nur sie können ihre spezifische Vision artikulieren - entweder indem sie ihr selbst eine Form geben oder indem sie einen Weg finden, anderen mitzuteilen, wie dies geschehen kann. Auch oder gerade in einem Orchester, in dem eine Partitur den Anschein von Struktur vermittelt, ist jeder Musiker allein. Der Dirigent, sein vermeintlicher Führer, ist sein am sichtbarsten isoliertes Mitglied.

Vielleicht ist es diese Erkenntnis und die Erfahrung dieser Position, die ein Thema der individuellen Verantwortung und der gesellschaftlichen Fragmentierung hervorgebracht hat, das sich durch einige Werke Meyers zieht. Es ist ein melancholischer Zustand, doch in Werken wie The Art oder Projekten wie der Kunsthalle für Musik gibt es die Aussicht auf Trost, zumindest in einer vorübergehenden Zusammengehörigkeit. Sogar The Lightning and its Flash (Solo for Conductor) geht von der Prämisse aus, dass es eine gemeinsame Erfahrung zwischen dem Dirigenten und den Mitgliedern des Publikums geben kann, wenn auch nur für einen kurzen Moment. Damit demonstriert es auch eine grundlegende Wahrheit über Musik und Erfahrung als solche: Sie sind, wie der Künstler es in seinem Skript für Duett ausdrückt, "eine fortlaufende Serie von flüchtigen Momenten, vermittelt durch eine Reihe von Anweisungen" - nicht die schlechteste Beschreibung des Lebens.

—Isabelle Moffat

Porträt von Ari Benjamin Meyers
Alexander Abdelilah

Ein buntes Orchester aus Keyboards füllt Ari Benjamin Meyers "nicht-professionelles Aufnahmestudio", wie er es nennt, einen kleinen Raum in seinem Berliner Studio, das in einer der weniger hippen Gegenden des bunten Kreuzbergs liegt. Wie ein Tourguide stellt der ausgebildete Dirigent und Musiksüchtige seine Keyboards wie alte Freunde auf einer Party vor: "das hier drüben ist eine Art Vintage-Keyboard von Stevie Wonder-Supertramp, das hier ist eine Vintage-Trommelmaschine aus Ostdeutschland, und hier möchte ich noch eine weitere installieren, eine tragbare, die ich noch im Keller habe, sehr farbenfroh, die aussieht wie ein Raumschiff". Auf einem von ihnen, einem alten hölzernen Gerland, hat ein Live-Vinyl-Album von Kiss den Ehrenplatz, wie eine unterschwellige Botschaft, die für die Konservativen und Liebhaber klassischer Musik bestimmt ist, die Ari studiert hat und von der er sich dann emanzipiert hat: Erwarten Sie Überraschungen.

Wenn der Stern von Ari Benjamin Meyers heute in der Welt der zeitgenössischen Kunst hell leuchtet, so kämpfen die Kritiker immer noch damit, seine Kunstform zu definieren: wild gewordene Musik? Musikalisch gewordene Kunst? Ein bisschen von beidem? Der Versuch, diese Frage zu beantworten, führt zu dem Giganten in einem anderen Raum: ein schöner Vintage-Flügel von Grotrian Steinweg anno 1908, dessen massive hölzerne Präsenz den ganzen Ort zu dominieren scheint. Ein Geschenk einer ehemaligen Dirigentenstudentin, die ihn von ihrer Großmutter geerbt hatte: "Sie wollte ihn loswerden, also gab sie ihn mir im Tausch gegen Gratisstunden auf Lebenszeit", erinnert sich Ari, während er mit seiner rechten Hand sanft Staubreste von der Tastatur fegte. Nach 6 Monaten Unterricht gab seine ehemalige Schülerin auf. Aber Ari durfte das kostbare Stück behalten. Er spielt es immer noch, "auch wenn es nicht mehr perfekt gestimmt werden kann", wie ein alter Schulfreund, von dem man sich nicht trennen möchte, auch wenn er nicht mehr der coole Junge ist, der er einmal war. Nach einer kurzen Pause gesteht er: "Ich bin immer noch sehr stark ein Komponist."

Das Komponieren hat Ari Benjamin Meyers nach Deutschland geführt. Obwohl er seit Ende der 1990er Jahre in Berlin lebt und arbeitet, begann seine Beziehung zu diesem Land schon lange vorher, in Bayern. Als er 19 Jahre alt war, gab ihm einer seiner Dirigierlehrer, "ein Typ aus der alten Welt in seinen Achtzigern", einen versiegelten Brief mit einer geheimnisvollen Anweisung: Geben Sie diesen Brief dem Chefdirigenten der Bayerischen Oper, und er wird Sie als Assistenten einstellen. Nachdem er den Ozean überquert hatte, musste der junge und naive Musikstudent seine erste Hürde nehmen: Ohne richtige Einführung in diese elitäre Welt und ohne Kenntnisse der deutschen Sprache wurde er wiederholt von der Münchner Oper weggeschickt. Schließlich stieß er selbst auf den Maestro und überreichte ihm den Brief. Fünf Minuten später wurde ihm eine Stelle angeboten. Ein faszinierender Einblick in eine magische Welt, in der klassische Musik als heilig gilt.

Nach seinem Sommerpraktikum, im Alter von nur 19 Jahren, traf Ari die erste von vielen unorthodoxen Entscheidungen, die seine Karriere prägen sollten: Er lehnt ein festes Jobangebot der Münchner Oper ab und beschließt, in die Vereinigten Staaten zurückzukehren, um in Yale zu studieren - ein Beweis dafür, dass Ari Benjamin Meyers schon lange, bevor er zu einem ausweichenden Thema für Kunstkritiker wurde, ein Außenseiter war. Während seiner Zeit als Schüler an der Juilliard School hatte er ein Nebenprojekt, von dem dort absolut niemand wissen konnte. "Das war, bevor es für einen Komponisten hip wurde, eine Rockband zu haben. Wenn meine Professoren davon gewusst hätten, wäre ich in echte Schwierigkeiten geraten", erzählt er uns. Als er dann später, 1996, mit einem Fulbright-Stipendium nach Berlin kam, erlebte Ari einen weiteren Kulturschock: Er entdeckte eine sehr institutionalisierte Musikwelt, Studenten, die das Leben zukünftiger Staatsangestellter führen, weit entfernt von der Existenzangst und dem "Lasst es uns selbst tun" -Geist, der ihn in New York City trieb. "Ich wollte in meinem Wohnzimmer eine Oper oder ein Konzert aufführen, und sie alle wollten wissen, wie viel ich zahle", beschreibt Ari Benjamin Meyers lachend und kopfschüttelnd vor Bestürzung.

Er wollte aus seiner Komfortzone heraustreten, ergriff die Chance und tauchte in die experimentelle Szene ein, die zur Jahrtausendwende in Berlin boomte. "Wir probten in Lobbys von nagelneuen, aber leeren Bürogebäuden", erinnert er sich, "es war sehr aufregend". Doch wieder einmal fühlte er sich von einer Welt im Stich gelassen, die nicht annähernd so experimentell war, wie er es erwartet hatte. Um seinen Durst nach Kreativität und Underground-Experimenten zu stillen, spielte er Keyboard in einer Industrial-Band. 2004 ging er noch weiter ins Off und veranstaltete "Club Redux"-Clubabende in einigen der besten Orte Berlins. "Damals gehörten wir zu den ersten, die zeitgenössische Live-Musik und Performances mit DJs zusammen brachten", betont er stolz.

Einige Jahre später, 2007, wird er musikalischer Leiter einer Gruppenausstellung, die ihn in der Kunstwelt bekannt machen wird. Er nimmt an der Kollektivausstellung Il Tempo del Postino teil, die von Hans Ulrich Obrist und Philippe Parreno kuratiert wird. Ein Schlüsselmoment in Ari's Meinung: "Für mich war es eine Art Kunstschule, ein Jahr lang mit all diesen großen Künstlern zu arbeiten. Ähnlich wie die Gaukler in der Anfangssequenz von Il Tempo del Postino scheint Ari Benjamin Meyers in jeder Rolle, in die er sich einzufügen versuchte, eine verkehrte Brille aufgesetzt zu haben, er dachte und handelte im Gegensatz zu den meisten seiner Kameraden aus der Musikwelt, erprobte Grenzen und ging gegen die Erwartungen an ihn vor. Mit der zeitgenössischen Kunst scheint er endlich ein Milieu gefunden zu haben, in dem er mit sich selbst im Reinen ist, glücklich über diesen Paradigmenwechsel. "Aber es ist immer noch eine Herausforderung", betont er. Einen Weg zu finden, seinen Ansatz von Musik und Kunst zu verbreiten und andere zu inspirieren, beschäftigt Ari Benjamin Meyers seit Jahren.

Die schöpferische Freiheit seiner neuen Position gab ihm die Möglichkeit und die Mittel, eine Struktur zu erfinden, die genau dies tun wird: Die 2016 gegründete Kunsthalle für Musik wurde zum operativen Arm dieses idealistischen Strebens. Ziel der Institution ist es, ein Ensemble von gleichgesinnten Künstlern zu bilden, die ihre Liebe zu den Verbindungen und Reibungen zwischen Musik und zeitgenössischer Kunst teilen. Ende Mai 2017, vor der offiziellen Eröffnung im Januar 2018, fand ein Symposium statt, doch die Besetzung des Ensembles steht noch aus. "Ich suche musikalische Interpreten", erklärt er und fügt hinzu, dass der Aufruf Musikern, aber auch Denkern, Komponisten und Tänzern offen steht, solange sie "einen gewissen musikalischen Hintergrund" haben, um sicher zu sein, dass sie alle diese gemeinsame Sprache sprechen. Diese Gruppe multitalentierter Künstler wird das Herzstück der Kunsthalle für Musik sein und Stücke interpretieren, die von verschiedenen Künstlern für sie komponiert wurden. "Das Ensemble wird zu einem zentralen kuratorischen Rahmen der Kunsthalle", erklärt der Gründer.

Liu Yes Arbeit wird oft mit seiner Liebe zu Büchern in Verbindung gebracht: Bilder von bestimmten Büchern tauchen im Werk des Künstlers häufig auf, manchmal füllen sie die gesamte Bildfläche aus. Andere Gemälde beziehen sich indirekt auf die Literatur: Man sieht Figuren, die lesen oder zeichnen, darunter seinen wiederkehrenden Protagonisten Miffy, selbst eine Figur aus einem Buch. Weniger bekannt ist die Liebe des Künstlers zur Musik.

Im Herbst 2019 interviewte die in Wien lebende Kuratorin Alexandra Grimmer Liu Ye. Bei zwei Besuchen sprachen sie über das Atelier des Künstlers, seine Arbeitsweise, die Bedeutung des Erzählens und natürlich über Mondrian. Aber das Interview begann mit einer langen Diskussion über die Rolle der Musik.

Nachfolgend Auszüge aus ihrem Gespräch, das in der Mai/Juni Ausgabe von Yishu: Journal for Contemporary Art erschienen ist.

Alexandra Grimmer
Erweiterte Momente und ihre Variationen: Ein Gespräch mit Liu Ye

Alexandra Grimmer: Sie haben erwähnt, dass Sie in Ihrem Studio alle Arten von Musik hören. Als Sie zum Beispiel an dem großen Bambusgemälde ... im Jahr 2012 gearbeitet haben, hörten Sie Johann Sebastian Bachs "Wohltemperiertes Klavier". Sie sagten, dass Sie sich vorstellen, dass die Formen des Bambus einer gotischen Kirche ähneln. Ich erinnere mich an diesen Satz in der Videodokumentation zu dieser Ausstellung: "Eigentlich denke ich an Bach, ich denke nicht an Bambus." Können Sie mir sagen, welche Wirkung die Musik von Bach auf Sie hat?

Liu Ye: Bach ist zeitlos; ich kann seine Musik jederzeit hören, und jede Gattung seiner Kompositionen - die Kantaten, die Kirchenmusik oder die Klavierkompositionen. Normalerweise spiele ich Bach mindestens einmal am Tag. Ich mag seine Musik, weil sie so offen für Interpretationen ist. Sie hat eine starke Struktur - Musik, die wie Mathematik ist -, aber gleichzeitig ist sie für mich sehr abstrakte Musik.

Bach ist ganz anders als zum Beispiel Ludwig van Beethoven, dessen Musik überhaupt nicht auf die gleiche Weise funktioniert. Für mich ist es unmöglich, Beethoven während der Arbeit zu hören. Überraschenderweise funktioniert auch Dimitri Schostakowitsch für mich gut. Ungeachtet dessen, dass Schostakowitschs Musik sehr dramatisch und voller Handlung ist, sind meine Bilder sehr kontrolliert und still. Der Einfluss kann also meiner Sensibilität eher zuwiderlaufen. Eigentlich verstehe ich es selbst nicht, aber Schostakowitschs Musik wirkt beim Malen immer noch für mich. Wie ich schon sagte, Bach wirkt jederzeit, und Schostakowitsch kann unter besonderen Umständen gespielt werden - wenn ich in einer besonderen Stimmung bin, meist am Nachmittag, dann passt das gut zu meiner Arbeit, aber nicht morgens und nicht abends. Von Schostakowitsch ziehe ich seine Symphonie Nr. 4 vor.

Alexandra Grimmer: Durch das Audiosystem oben in Ihrem Arbeitsraum höre ich das Album Blue Lines von Massive Attack spielen.

Liu Ye: Ist das wahr? Oh ja, ich muss vergessen haben, den Player an meinem Telefon auszuschalten. Natürlich kann man nicht nur Bach hören! Aber mein Geschmack für andere Musik ändert sich; zum Beispiel ist es in einem Monat Björk und in einem anderen Monat etwas anderes. Ende der 1990er Jahre hörte ich sehr viel Musik von Massive Attack, dann habe ich sie für viele Jahre vergessen.

In meiner Arbeit verwende ich oft Titel aus der Musik; so stammt zum Beispiel eine Version von Killing Me Softly aus dem berühmten Fugees-Lied der 90er Jahre. Auch I'm a Soldier bezieht sich auf das erste Lied auf Björks Album Post aus dem Jahr 1994. Leave Me in the Dark stammte ursprünglich ebenfalls aus einem Lied, aber ich vergesse, von wem. Mir gefiel einfach diese Zeile in dem Lied. In meinen neueren Werken brauche ich einen Titel nicht besonders deutlich zu machen. Es kann ein ganz abstrakter Titel sein. In Book Painting No. 1 (2013) zum Beispiel, das zum Beispiel wie eine Symphonie Nr. 1 ist, kopiere ich die Bedeutung, und es wird so etwas wie ein Label. Es kann Nr. 1 oder Nr. 2 sein. . .

Alexandra Grimmer: Sie ziehen es also vor, weniger zu erklären?

Liu Ye: Ja, ich glaube nicht, dass es notwendig ist, zu viele Dinge zu erklären. Ich ziehe es vor, die Bedeutung des Bildes offener zu halten, was es dann gleichzeitig abstrakter macht.

[…]

Liu Ye: Was ich [in einem anderen Interview] mit "Selbstporträt" meinte, ist nicht wirklich mein Selbstporträt in diesem Sinne. Es ist mehr meine Welt. Kunst oder Malerei in Beziehung zur realen Welt ist falsch. In meiner Welt folgt die Realität der Kunstwelt. Es ist meine völlige Freiheit, diese Welt zu gestalten, weil sie nur mir gehört. Es hat nichts damit zu tun, ob ich in Berlin oder in Peking lebe; es ist zum Beispiel völlig gleich, da die Szene des äußeren Kontexts keine große Bedeutung hat. Wenn ich morgens das Haus verlasse, gibt mir das keinen Eindruck davon, wo genau ich bin. Das ist nicht von großer Bedeutung, da ich in meiner eigenen Welt lebe, die nicht von der täglichen Umgebung abhängt.

Meine Welt basiert auf der Kultur - Literatur, Film oder Musik. Es ist eine Kunstwelt - eine parallele, künstliche Welt. So ist es, seit ich mich erinnern kann. Als ich ein Kind war, las ich alle Geschichten von Hans Christian Andersen. Das war während der Zeit der Kulturrevolution, in der ich viel Zeit mit Lesen verbrachte, da ich praktisch in Andersens Welt lebte und nicht in der Realität, die sich zu dieser Zeit in Peking abspielte. Irgendwie muss ich seinen Namen mit einem chinesischen Klang ausgesprochen haben, und ich war überrascht, als ich erfuhr, dass Hans Christian Andersen und seine Erzählungen aus Dänemark stammten. Die Welt, in der sich "Däumelinchen", "Die kleine Meerjungfrau" und "Der kleine Streichholzverkäufer" abspielten, fühlte sich wie meine Welt an, und deshalb dachte ich, dass dies chinesische Geschichten seien.

[…]

Liu Ye: Noch einmal, wenn es um meine Kunstwerke geht, lebe ich in einer künstlichen Welt, in meiner eigenen Kunstwelt, die sehr reich und vielschichtig ist. Wenn ich sage, dass die Kunstwelt sehr reich ist, dann hat das nichts mit dem zu tun, was sich physisch um das Werk von Künstlern und Ausstellungen herum abspielt. Die Kunstwelt, die ich reflektiere, hat nichts mit den sozialen Kreisen der Menschen zu tun. Was zum Beispiel Eröffnungen oder Partys betrifft, so gehe ich nur zu sehr wenigen, aber ich habe viele gute Freunde.

Meine Inspiration kommt aus der zweiten Realität, meiner "zweiten Welt". Es ist nicht die direkte Realität. Natürlich weiß ich, was derzeit in China oder in Hongkong stattfindet; ich kenne es sehr gut, aber es spiegelt sich nicht in meiner Kunst wider. Es gibt keine Beziehung zwischen dieser Realität und meiner Arbeit. Es sind zwei verschiedene Welten.

Denken Sie zum Beispiel an Mondrian. Er lebte während des Ersten und Zweiten Weltkriegs, aber man sieht es nicht in seinen Bildern. Er hatte eine Kunstwelt, die sehr unabhängig von seiner Realität war. Bei Otto Dix hingegen können Sie sehen, wie sich seine Zeit in Deutschland in den 1940er Jahren in seinem Werk widerspiegelt. Er ist ein großer Realist; man kann die 40er Jahre in seiner Kunst spüren, aber Mondrian ist ganz anders.

Alexandra Grimmer: Aber in Mondrians Werk kann man keinen Surrealismus interpretieren, nur als Beispiel. Was Ihr Werk unterscheidet, ist, dass es viel mehr Möglichkeiten gibt, es zu interpretieren.

Liu Ye: Ich liebe Mondrian, aber ich bin kein abstrakter Maler im formalen oder traditionellen Sinne. Ich folge nicht seiner Theorie. Er hat sein Werk vom Realismus zu einer abstrakten Sprache aufgebaut. Seine Kunsttheorie ist für mich jedoch nicht relevant.

Außerdem kann ich nicht nur das Werk von Mondrian lieben. Es gibt zu viele andere Einflüsse für mich. René Magritte zum Beispiel ist auch sehr wichtig, oder auch Marcel Duchamp - ich lese seine Bücher gerne. Manchmal, wenn ich sehr müde bin, lese ich einige Zeilen seiner Schriften, und sie geben mir ein Gefühl des Feierns und der Befreiung. Bei meiner Arbeit kann es passieren, dass ich in eine Sackgasse gerate, aber wenn ich einige Worte von Duchamp lese, ist es möglich, sich wieder zu entspannen. Es gibt so viele Arten von Kunst. Nach meinem Verständnis sind alle Richtungen gleich wichtig. Abstrakte Kunst ist zum Beispiel nicht besser als Cartoon- oder Comic-Kunst. Ich lese manchmal gerne Comics, deshalb gibt es für mich auch keine Kategorien von hochklassiger oder niedrigklassiger Kunst.

Das vollständige Interview ist in der Mai/Juni 2020 Ausgabe von Yishu: Journal of Contemporary Chinese Art erschienen und HIER zu beziehen.

Am Dienstag, seinem Geburtstag, moderierte Ryan Gander eine spezielle DJ-Session auf dem Live-Radio-Streaming-Sender Radio_Caroline. Verbringen Sie Zeit mit Ryan und seinen beiden Töchtern, während er Platten auflegt und plaudert. Es ist sehr charmant.

VIAGGI DA CAMERA ist das neue Online-Projekt der Fondazione Nicola Trussardi. "Viaggi da camera" sammelt und sendet täglich Bilder, Videos und Texte, die von Künstlern ausgewählt werden, die eingeladen wurden, ihr Zuhause und ihren privaten Raum zu zeigen.

Jeden Tag wird ein neuer Beitrag auf der Website und in den sozialen Kanälen der Stiftung veröffentlicht. Inspiriert von Xavier de Maistres berühmtem Roman "Reise um mein Zimmer" aus dem 18. Jahrhundert - geschrieben während eines 42-tägigen Hausarrests in einem Zimmer in Turin - lädt "Viaggi da camera" Künstler ein, die Türen ihrer realen und imaginären Räume zu öffnen. Francesco Gennari, aufgenommen am Tag 39, gab einen Einblick in sein häusliches Leben inmitten des Lockdowns.