Willkommen zu dem Brief aus Berlin dieses Monats!

Wir beginnen mit der großen Einzelausstellung von Angela Bulloch in Nantes und veröffentlichen Auszüge aus einem Gespräch der Künstlerin mit der Kuratorin der Ausstellung, Katell Jeffrès. In Berlin ist die Ausstellung von David Claerbout noch bis zum 28. Mai zu sehen. Für seine neue Monografie sprach er mit dem Kurator Jonathan Pouthier. Wir blicken zurück auf die Ausstellung L'Invitation au voyage vom letzten Jahr und werfen einen Blick auf das Werk von Sojourner Truth Parsons. Derzeit finden zwei Messen statt: Frieze NY und Taipei Dangdai, während nächste Woche die Art Basel Hongkong eröffnet wird. Am Sonntag wird im Jeu de Paume in Paris ein Film von Rosa Barba gezeigt. Es ist auch der letzte Tag der Gruppenausstellung Fata Morgana mit Werken von Ann Veronica Janssens und Daniel Steegmann Mangrané. Wir blicken auf zwei bevorstehende Projekte von Pierre Huyghe in Dänemark und in Norwegen. In München wird Roman Ondaks performative Arbeit Measuring the Universe ab dem 3. Juni in der Pinakothek der Moderne zu sehen sein. Hören Sie sich den aktuellen Podcast mit Esther Schipper aus Daniela Steinfelds Reihe Voices on Art an. Den Abschluss bildet eine Auswahl an neuen und aktuellen Publikationen.

Wir wünschen Ihnen viel Spaß mit unserem Brief aus Berlin!

Unter dem Titel Perpendicular Paradigm wurde kürzlich im Musée d'arts de Nantes die große Einzelausstellung von Angela Bulloch mit neuen Arbeiten eröffnet. Mit der Rekonstruktion der Konstellationen des Sternenhimmels über dem Museum zur Sommersonnenwende 2021 hat die Künstlerin das Firmamental Square, ein monumentales Werk aus der Serie der Night Sky Arbeiten, im Atrium des Museums installiert. Geometrische Skulpturen aus Holz, Metall oder synthetischem Marmor bevölkern die Ausstellungsräume gepaart mit ihren Schattenwandbildern. Darüber hinaus präsentiert eine neue Zweikanal-Videoanimation eine 3D-Version der gezeigten Ausstellung, die einen Ausschnitt aus einer Meta-Realität zeigt: Eine Ausstellung in der Ausstellung mit zwei fiktiven Figuren, die durch die Ausstellung wandern; eine ist scheinbar menschlich und die andere ein Planetensystem, das aus Elementen des Werks der Künstlerin besteht.

Perpendicular Paradigm wurde von Katell Jaffrès kuratiert und wird bis zum 30. August 2022 zu sehen sein.

Im Folgenden veröffentlichen wir Auszüge aus einem Gespräch zwischen Bulloch und Jaffrès, das im umfassenden Ausstellungskatalog enthalten sein wird, der auch einen neuen Essay von Mieke Bal enthält. Der Katalog wird im Juni erscheinen.

KATELL JAFFRÈS
Das große neue Werk Firmamental Square besteht aus einer 14 x 14 Meter großen Night Sky Arbeit, die von der Decke des Atriums hängt. Sie haben bereits mehrere Night Sky-Arbeiten gemacht, darunter einige sehr große, die von der Decke hingen. Die meisten dieser Arbeiten waren kleiner und wurden vertikal an der Wand installiert. Woher stammt das Konzept dieser Werkserie, und wie stehen die Arbeiten miteinander in Verbindung?

ANGELA BULLOCH
Die erste Arbeit in dieser Serie war Night Sky: E.T. from Mercury.12 aus dem Jahr 2007. Das E.T. im Titel bezieht sich auf eine "extra-terrestrische Position" unter Verwendung einer Software, die ein virtuelles Universum, eine 3D-Raumlandschaft oder eine 3D-Karte darstellt. Um die relative Position der Erde innerhalb unseres Planetensystems und des Universums darüber hinaus zu betrachten, habe ich eine Momentaufnahme mit Blick zurück auf die Erde gemacht und einen zweidimensionalen Bereich innerhalb der dreidimensionalen virtuellen Karte, die unseren Planeten zeigt, eingegrenzt - ich konnte die Erde mehr oder weniger von der Position des Merkurs aus sehen. Dieses Werk war zunächst an der Decke angebracht, wurde aber später so angepasst, dass es an der Wand aufgehängt werden konnte, zusammen mit einer spiegelnden Platte, die senkrecht dazu auf dem Boden platziert war.

Mein erstes großformatiges Werk aus dieser Serie wurde 2008 im Rahmen der Ausstellung "theanyspacewhatever" im Solomon R. Guggenheim Museum in New York ausgestellt. Ich wählte den Anlass dieser Ausstellung und insbesondere die Rotunde des Solomon R. Guggenheim Museums von Frank Lloyd Wright als starken architektonischen Kontext, um den ersten großformatigen Night Sky zu präsentieren. Die Rotunde in New York konnte so aussehen wie die Decke des Pantheons in Rom mit einem zum Nachthimmel geöffneten Oculusfenster. Später fertigte ich ein weiteres Werk an, das über dem Altar des Basler Münsters hängen sollte, ein weiteres Beispiel für einen "starken Kontext", den ich für diese Art von Werken gewählt habe.

Das Datum der Sommersonnenwende am 21. Juni 2021 habe ich ausgewählt, um ein Bild der Position der Sterne am Himmel aufzunehmen und das Werk Firmamental Square zu schaffen. Von diesem Datum aus und von einer Position am Himmel über Nantes, Frankreich, habe ich diese spezielle Ansicht definiert, aufgenommen, zugeschnitten und dokumentiert, um sie als Deckenhintergrund für meine Ausstellung zu verwenden. Mit Hilfe einer genauen Computerkarte des Universums habe ich alle relativen Positionen der sichtbaren Sterne innerhalb dieser Ansicht erfasst und mit diesen Informationen ein neues Werk geschaffen. (...)

KJ
Wahrnehmung mittels Farbe und Licht steht im Mittelpunkt der Werke und ist ein wichtiger Aspekt Ihrer Arbeit. In welcher Beziehung stehen Ihre Arbeiten dazu?

AB
Wahrnehmung erfordert zumindest ein paar Betrachter, die diesen Kontext oder diese Situation miterleben und sich daran beteiligen. Mit anderen Worten, Wahrnehmung verpflichtet das Publikum, Zeuge zu werden und sich zu beteiligen. Deshalb habe ich dem Werk etwas hinzugefügt - Menschen, die das Werk wahrnehmen, als Teil des Werks. Ich möchte auch die Dekonstruktion von Wahrnehmung und Darstellung als Bestandteil der Arbeit ansehen. Ich habe eine Ausstellung mit Wandgemälden, Skulpturen und Installationen produziert, und auch das Publikum geschaffen, das diese Werke sehen oder sich mit der Ausstellung auseinandersetzen kann, es ist Teil der Ausstellung.

Eine Arbeit trägt den Titel We don’t know what we don’t know. Ich habe diesen enigmatischen Titel gewählt, damit wir die Elemente nicht vergessen, die wir entweder nicht verstehen oder die wir im wahrsten Sinne des Wortes einfach nicht sehen können. Die Dinge, die wir nicht verstehen oder buchstäblich nicht sehen können, sind nichtsdestotrotz sehr präsent. Wie die Dunkle Materie: Wir wissen, dass sie existiert, auch wenn wir sie nicht "sehen".

Die neue Monografie von David Claerbout, The Silence of the Lens, enthält ausführliche Gespräche zwischen Jonathan Pouthier und dem Künstler. Im Folgenden finden Sie Auszüge über The Close and Aircraft (F.A.L.)


Ich persönlich habe mich immer als jemand gesehen, der die Trümmer am Rande einer explosiven visuellen Kultur einfängt.

David Claerbout

The Close

JONATHAN POUTHIER
In dem Moment, in dem die Illusion perfekt ist, beschließen Sie, die Künstlichkeit der Komposition zu enthüllen. Inwiefern lädt uns dieses Aufeinandertreffen zweier antagonistischer Regime des Bildglaubens dazu ein, unseren Blick zu hinterfragen?

DAVID CLAERBOUT
Dieser Übergang von einem unterdefinierten Bild zu einem überdefinierten Bild findet am Ende des Films statt. Nach einem langen Standbild bewegt sich das Kameraobjektiv langsam auf das Gesicht eines Kindes zu. Der Ausdruck des Kindes ist in der Zeit eingefroren. Wir haben den Eindruck, dass der Film angehalten hat, dass die Projektion stottert. Dieser Moment der Unterbrechung ist notwendig, damit die Kamera ihren Lauf fortsetzen und sich im Blick des Kindes verlieren kann. Der unbewegliche Körper des Kindes erscheint dann wie eine Skulptur auf der Leinwand, als wäre er im Moment eingefroren. Er ist nichts als Textur, Oberfläche und Volumen. Genau in diesem Moment öffnet sich eine Lücke zwischen dem Mechanismus des Vertrauens und dem des Misstrauens. Es geht nicht mehr darum, das Reale vom Falschen zu unterscheiden, sondern den Ort zu finden, an dem sich der Akt des Sehens vollzieht.

Wenn uns das Virtuelle etwas lehrt, dann dass wir uns mit dieser Technologie zwischen diesen beiden Zuständen befinden. Mit seiner Formulierung, dass "regarder c'est garder deux fois" , hat Jean-Luc Nancy das erklärt. Zu sehen impliziert den Wunsch, etwas zu bewahren, es sich einzuverleiben. Der andere zu werden, ist der Index der Empathie. So erscheinen mir die Augen des Kindes als der Ort dieser Begegnung. Durch ihre Vermittlung können wir unseren Grad an Vertrauen und Misstrauen bestimmen und Distanz oder Nähe messen. Auch um eine gewisse Einfachheit zu bewahren, habe ich beschlossen, die Aufmerksamkeit auf die Augen zu richten. Sie haben eine größere Fähigkeit, unsere Nerven zu erreichen, als jede andere Erscheinung. Wir müssen uns fragen, was der Blick bedeutet, wenn wir mit einem Bild konfrontiert werden, dessen Fundamente bröckeln. Sollen wir auf der Hut sein, uns vor dem, was wir sehen, in Acht nehmen? Oder erfordert das Schauen im Gegenteil den Verlust des Blicks? Für die Bürger des neunzehnten Jahrhunderts hat das Aufkommen der Kamera ihren Blick sicherlich auf ähnliche Weise in Frage gestellt. Jetzt sind wir an der Reihe, uns in einem neuen Übergangsstadium unseres Systems des Vertrauens vorzufinden.

Aircraft (F.A.L.)

JP
Zunächst möchte ich auf das Flugzeug zu sprechen kommen, das das Motiv und Hauptthema Ihrer Arbeit darstellt. In seinem Essay Down to Earth: Politics in the New Climatic Regime fragt Bruno Latour: "Wo soll man landen?", wenn die Industriegesellschaften die Folgen ihres Lebensstils für den Klimawandel weiterhin leugnen. Das Flugzeug in Aircraft (F.A.L.) hingegen bleibt unbeweglich, als ob es nicht fliegen könnte. Warum bleibt dieses Symbol der industriellen Moderne am Boden?

DC
Diese Metapher ermöglichte es mir, meine Arbeitsmethode für die Produktion dieses Werks zu veranschaulichen, aber auch meine Bedenken hinsichtlich der Natur des Bildes. Die Materialität des virtuellen Bildes hat mich schon immer interessiert, weil wir immer dachten, dass diese Art von Bild per Definition mit der Idee der Materie unvereinbar sei. Ich hatte jedoch das Gefühl, dass es sich um etwas ganz Reales und Gegenwärtiges handelt. Die Art und Weise, in der Materialien durch eine komplexe Reihe von Daten bestimmt werden, hat meine Recherchen während der Herstellung dieses Films beeinflusst. Die Aluminium-Oberfläche, die die Struktur des Flugzeugs umhüllt, zeigt zum Beispiel keine Spuren oder Anzeichen von Gebrauch. Dieses Detail wird deutlich, wenn sich die Kamera den Flügeln nähert. Die Unbeweglichkeit des Flugzeugs ist eine bewusste Entscheidung. Anders als jede andere Maschine des Industriezeitalters ist das Flugzeug ein Objekt, das als in Bewegung betrachtet wird, selbst wenn es statisch ist. Sein Wesen wird durch seine Beziehung zur Luftströmung definiert.

Das Flugzeug in meinem Film befindet sich nicht auf dem Boden. Es ruht auf einem Gerüst in einer Szene, die sowohl improvisiert als auch organisiert ist. Ich denke manchmal, dass es auf der Leinwand wie ein Sarkophag aussieht. Dieses Regime der Ununterscheidbarkeit zwischen dem Lebendigen und dem Leblosen, zwischen dem, was genutzt werden könnte, und dem, was nicht mehr nutzbar ist, bildet den dramatischen Subtext der Komposition. Das mag paradox erscheinen, denn in unserer Kultur symbolisiert das Flugzeug eine bestimmte Vorstellung von Fortschritt. Seine Form ähnelt der eines Pfeils, der wie ein Index für die Zukunft ständig nach vorne zeigt. Es zeichnet eine Linie, an deren Ende sich alles nach vorne bewegen soll. Mich reizte die Idee, diesen fortschrittlichen Gedanken mit Materialien zu konfrontieren, die seit langem eingefroren sind, wie Licht, Beton, Holz und Metall.

JP
Dieses in eine spiegelnde Oberfläche umgewandelte Flugzeug scheint die optischen Funktionen eines Kameraobjektivs zu übernehmen. Was zeigt und wie informiert uns dieses Objekt, diese Sichtmaschine, über die Natur des Bildes?

DC
All dies hängt von der Positionierung und den Bewegungen der Kamera in einem bestimmten Raum ab. Wenn die Anwesenheit des Kameramanns spürbar ist oder wenn der Blickwinkel mit dem der Figuren im Bild übereinstimmt, wird diese Reflexion des Körpers nach außen erschwert oder sogar unmöglich. Die Situation ist die eines zufällig platzierten Auges/Objektivs oder auch nicht. Sobald wir in die Welt des Scannens eintreten, stellen wir fest, dass sich der Blick um das Objekt dreht. Es ist eine Position, die man als egoistisch bezeichnen kann, da sich alles ständig um dasselbe Zentrum dreht. Darin sehe ich einen grundlegenden Unterschied zwischen dem Scannen und dem Objektiv. Man kann die Kamera überall hinbewegen, aber sie kann in einer bestimmten Welt nichts anderes sein als ein Objektiv. In dieser Hinsicht ist die Kamera zutiefst liberal, wie die Zeit ihrer Entwicklung. Sie kann sich frei bewegen und versucht nicht zu wissen, was vor ihrem Objektiv erscheint. Im Gegensatz dazu kehrt das Scannen unser Verhältnis zur Welt um, denn wir werden zum Zentrum der Welt und sind von Hindernissen umgeben. Diese Situation ist der Funktionsweise mancher Videospielsoftware sehr ähnlich. Das heißt, die Welt, die wir sehen, wird nur vorübergehend in Abhängigkeit von unseren Bedürfnissen und unserer körperlichen Nähe geschaffen. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum ich das Flugzeug in den Mittelpunkt der Komposition gestellt habe.

Ein Raum war den Bildern von Sarah Buckner und Sojourner Truth Parsons gewidmet.

Sojourner Truth Parsons wurde 1984 in Vancouver, Kanada, geboren und ist eine Künstlerin mit Afro-Indigenem und Siedler Hintergrund. Sie hat einen Bachelor of Fine Arts vom Nova Scotia College of Art and Design in Halifax, Nova Scotia. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Brooklyn, NY.

Über Parsons' Werke schrieb Matthew Hyland, der vor einigen Jahren die Einzelausstellung der Künstlerin in den Oakville Galleries in Ontario kuratiert hatte, Folgendes:

In L'Invitation au voyage präsentiert Parsons eine Reihe von Leinwänden, die in der Dunkelheit gründen. Schatten erstrecken sich träge über die Oberfläche dieser Werke, mit lose aufgetragenen schwarzen Flächen, die an den Einbruch der Dunkelheit erinnern, wenn die Schwellen zwischen Sinn und Empfindung am schillerndsten sind. Parsons bietet hier eine Stadt in Fragmenten - die spiegelnde Oberfläche der Skyline von Manhattan in der Abenddämmerung, das Spiel des Mondlichts auf dem East River - Szenen, die sowohl von den häufigen Spaziergängen der Künstlerin in der Nähe ihres Studios in Brooklyn als auch von dem New York vor ihrem geistigen Auge stammen, das sie zumindest teilweise aus Relikten erschaffen hat.

(....)

Der Mond ist der Anker dieser Kompositionen, der sich hell und voll auf allen drei Leinwänden wiederholt, wobei die zentralen Figuren scheinbar an seine transportierenden Energien gebunden sind: Sehnsucht, Fantasie, Introspektion, Risiko. In July Tree erscheinen zwei Frauen in Silhouette, ein wiederkehrendes Motiv in Parsons' Werk, das den Körper als Energie und Form darstellt. Ein genussvoll gebogener Hals, eine geschmeidige Figur, die aus dem Rahmen herausragt - das sind schattenhafte, scharfkantige Erscheinungen, die ebenso schwer fassbar wie unwiderstehlich sind. Inmitten ihrer Spannung liegt die Andeutung der nächtlichen Stadt, ihrer Strukturen und Rhythmen, der Fülle ihrer Verheißungen und der Potenz ihrer Gefahren.

In Falling out of love with you tritt diese Spannung noch deutlicher zutage: eine Figur in Gewand und Handschuhen - eine nostalgisch stilisierte Projektion des Begehrens - blickt über den Hafen auf Manhattan, in der Hand eine einzelne langstielige Rose. Lose, prosaisch wirkende Blumen flankieren das Bild vor einem groben Patchwork aus Rot- und Goldtönen. Diese Arrangements durchbrechen den Schutzschild der Nacht und suggerieren eine Szene, die kurz vor dem Ende steht, wobei der Schleier der Illusion anderen Formen der Schönheit weicht - vielleicht weniger präzise in ihrer Eleganz, aber sie erwarten uns trotzdem.

-Auszug aus Matthew Hyland, "Sojourner Truth Parsons", L'Invitation au voyage, herausgegeben von Esther Schipper, 2021. Bestellinformationen unten

Parsons Einzelausstellung 2017 in den Oakville Galleries in Ontario mit dem Titel Holding Your Dog At Night zeigte eine Reihe von Leinwänden, die die Künstlerin nach ihrem Umzug nach Los Angeles im Jahr 2015 geschaffen hatte.

Ob sie nun das berüchtigte Nachtleben der Stadt, ihr außergewöhnliches Sonnenlicht oder die wirtschaftlichen Ungleichheiten, auf denen sie aufgebaut ist, thematisiert, Parsons' Werke bieten eine Art baroskopische Darstellung der Räume und Orte, in denen sie sich bewegt, die zugleich scharfsinnig und bissig ist. Die Gemälde sind weder autobiografisch noch narrativ, sondern lenken den Blick auf das psychische Leben des Alltags, auf die Gefühle, Formen und Fantasien - sowohl zuckersüße als auch unheimliche -, die unsere Welt strukturieren.

Frieze New York 2022
Booth A06
The Shed
545 West 30th Street
New York, NY 10001
Bis 22. Mai 2022
www.frieze.com

Preview: 19. Mai
Public Days: 20. – 22. Mai

Online-Ansichtsraum und 3D-Stand
Bis 27. Mai

Besuchen Sie uns diese Woche auf der Frieze New York, wo wir einen Einzelstand mit Simon Fujiwara präsentieren, der seinem Projekt Who the Bær gewidmet ist, das in seinen Einzelausstellungen 2021 in der Fondazione Prada, Mailand, und im Januar 2022 bei Esther Schipper erstmals gezeigt wurde.

Zu sehen sind zahlreiche neue Werke aus Fujiwaras Who the Bær-Projekt, die in einer höchst einfallsreichen Bandbreite von Medien wie Collage, Zeichnung, Malerei, Skulptur und Stop-Motion-Animation entstanden sind. Das Ausstellungsdesign, bestehend aus thematischen Räumen mit verschiedenfarbigen Wänden, ähnelt die einem Museum oder "Whoseum" mit ikonischen Werken, die sich auf moderne und zeitgenössische Künstler beziehen und diese neu miteinander kombinieren: von Renaissance-Gemälden von Jan van Eyck, Sandro Botticelli und Michelangelo bis hin zu ikonischen Werken aus dem Kunstkanon des 20. Jahrhunderts. Alle sind sozusagen Who-ifiziert, d. h. mit der charakteristischen Silhouette von Who versehen.

Taipei Dangdai 2022
Booth C05
Taipei World Trade Center No. 5
Section 5, Xinyi Rd
Xinyi District, Taipei City
Bis 22. Mai 2022
www.taipeidangdai.com

Besuchen Sie uns im Taipei Dangdai 2022, wo wir Werke von AA Bronson, Thomas Demand, Simon Fujiwara, General Idea, Liam Gillick, Dominique Gonzalez-Foerster, Ann Veronica Janssens, Ugo Rondinone und Karin Sander zeigen

Besuchen Sie auch die Online-Plattform der Taipei Dangdai - Art & Ideas 2022, um eine Auswahl der auf der Messe präsentierten Werke zu entdecken.

Lesen Sie hier (CN) - Leslie Sun, Chefredakteurin der Vogue Taiwan, hebt Esther Schipper als ein Muss für die Taipei Dangdai 2022 hervor.

Wenn Sie ein Vorschaudossier erhalten möchten oder Fragen zu unserer Präsentation auf der Taipei Dangdai 2022 haben, wenden Sie sich bitte an Muchi Shaw: shaw@estherschipper.com

Art Basel Hong Kong
Booth 1B14
Convention & Exhibition Centre
1 Harbour Road, Wan Chai
Hong Kong
25. Mai – 28. Mai 2022
www.estherschipper.com

Besuchen Sie uns nächste Woche zur Eröffnung der Art Basel Hong Kong 2022. An unserem Stand werden wir Werke von Matti Braun und Angela Bulloch präsentieren.

Sollten Sie nicht in der Lage sein, die Messe zu besuchen, bieten wir Ihnen gerne virtuelle Führungen nach Vereinbarung an. Um einen Videobesuch an unserem Stand zu vereinbaren, wenden Sie sich bitte an Marek Obara: obara [a] estherschipper.com

Wir laden Sie auch ein, einen vollständigen Überblick über die am Stand präsentierten Werke auf der Online-Plattform der Art Basel Hong Kong zu entdecken.

Wenn Sie ein Vorschaudossier erhalten möchten oder Fragen zu unserer Präsentation auf der Art Basel Hong Kong 2022 haben, wenden Sie sich bitte an Marek Obara: obara@estherschipper.com

Screening
Fata Morgana
Rosa Barba, The Hidden Conference: About the Shelf and Mantel, 2015
Jeu de Paume
1 Place de la Concorde
Jardin des Tuileries
75001 Paris
22. Mai 2022, 16:00
www.jeudepaume.org

Lassen Sie sich die Vorführung von Rosa Barbas The Hidden Conference: About the Shelf and the Mantel im Jeu de Paume nicht entgehen. Der 22. Mai ist auch der letzte Tag, um die Ausstellung Fata Morgana zu sehen, die Werke von Ann Veronica Janssens und Daniel Steegmann Mangrané umfasst.

Fata Morgana, die erste Ausgabe des Festivals Jeu de Paume, nimmt das gesamte Gebäude ein und wurde von der unabhängigen Kuratorin Béatrice Gross unter der künstlerischen Beratung von Katinka Bock kuratiert. Der Titel bezieht sich auf das außergewöhnliche Phänomen, das durch die Kombination von Luftspiegelungen auf der Meeresoberfläche hervorgerufen wird, deren Brechungen schwebende Bilder von Objekten unterhalb des Horizonts erscheinen lassen: Es sind also die einzigartigen sensiblen Realitäten, die durch das zeitgenössische Bild vermittelt werden, die die Kuratorinnen erkunden wollen.

Fata Morgana ist eine kritische und poetische Reflexion über die konkreten Erscheinungsformen des Sichtbaren, das oft instabiler und zweideutiger ist, als es scheint. Die multidisziplinäre Ausstellung vereint neben Fotografien, Filmen und Videoinstallationen auch Skulpturen, Performances und Soundarbeiten. Es geht um eine bestimmte Qualität der Aufmerksamkeit gegenüber der sensiblen Welt - und nicht um ein Thema, eine Bewegung oder eine Generation - die vorgeschlagen wird. Der Titel bezieht sich weniger auf den Trompe-l'oeil-Effekt als auf das Lernen des Auges, zwischen Staunen und Entschlüsselung.

Pierre Huyghe
Offspring
Kunsten Museum of Modern Art
Kong Christians Allé
509000 Aalborg
25. Mai – 30. October 2022
www.kunsten.dk

Nächste Woche wird eine Einzelausstellung von Pierre Huyghe im Kunsten Museum in Aalborg, Dänemark, eröffnet. Die Ausstellung wird bis zum 30. Oktober 2022 zu sehen sein.

In Huyghes kontingenten Universum entwickeln sich verschiedene intelligente Lebensformen - biotische und abiotische - auf unbestimmte Weise und verändern kontinuierlich ihre Umgebung. Die Werke sind dynamisch und verändern sich im Laufe der Zeit, oft außerhalb der Kontrolle des Künstlers.

Für Huyghe ist die Ausstellung nicht nur ein Ort der Erfahrung für Besucher, sondern vielmehr eine Begegnung mit einem immersiven, empfindungsfähigen Milieu, das wahrnimmt und neue Möglichkeiten von Allianzen zwischen Ereignissen oder Dingen schafft, die sich unabhängig von der menschlichen Anwesenheit entfalten.

Die Ausstellung mit dem Titel Offspring stellt sechs Schlüsselwerke nebeneinander, die u. a. Sensoren zur Erfassung von Sound, Licht und Bewegung verwenden. Jedes Werk nimmt das andere wahr und beeinflusst es, ebenso wie den Rhythmus, den Fluss und die Art und Weise, wie sich die Ausstellung manifestiert.

Offspring bietet den Besuchern die Möglichkeit, Zoodram 2, 2010/2021, zu sehen - ein lebendes Aquarium, das für Kunsten geschaffen und kürzlich erworben wurde.

Pierre Huyghe
If the Swamp
Kistefos
Samsmoveien 41
Jevnaker
Ab 12. Juni 2022
www.kistefosmuseum.com

Ab dem 12. Juni 2022 wird ein neues großes Projekt von Pierre Huyghe im Kistefos Museum and Sculpture Park in der Nähe der norwegischen Stadt Jevnaker, eine Stunde nordwestlich von Oslo, präsentiert werden.

Die neue ortsspezifische Auftragsarbeit wird das bisher größte ortsspezifische Werk des Künstlers sein und das ambitionierteste, das jemals für Kistefos konzipiert wurde.

Als 50. Kunstwerk im Park wird es einen bisher unzugänglichen Bereich des Parks einweihen und die Besucherlandschaft erweitern. Der vom Künstler gewählte Standort befindet sich in einem regelmäßig überschwemmten Bereich des Parks neben dem in Betrieb befindlichen Kraftwerk und stellt eine Verbindung zwischen dem industriellen Erbe von Kistefos und dem, was es heute geworden ist, her.
Huyghe ist für seine immersiven Kunstwerke bekannt und erweitert auch weiterhin unsere Vorstellung davon, was skulpturale Kunst sein kann.

Als Reaktion auf die Umgebung von Kistefos ist If the Swamp ein Gebilde, ein Milieu, sowohl physisch als auch digital, durchlässig, ständig von den umgebenden Fluten geformt und durch das, was es wahrnimmt, verändert. Das Werk ist gleichzeitig eine Insel und die Möglichkeit, was diese Insel unter alternativen Realitätsbedingungen sein könnte.

Das gesamte Waldgebiet wurde bis ins Detail gescannt und digitalisiert. In einer simulierten Umgebung, die nicht an physische Grenzen gebunden ist, arbeiten algorithmische und biologische Agentenintelligenzen zusammen. Ein auf Fiktion basierendes Regelwerk wird von lernenden Maschinen durchgespielt, die kontinuierlich Mutationen bestehender Merkmale wie Bäume, Unrat, Tiere oder Menschen erzeugen.

Die Mutationen ändern ihr Verhalten in Echtzeit in Abhängigkeit von äußeren Faktoren, beschleunigen ihr Wachstum mit dem Flutwasser und verändern sich im Laufe der Jahre. Manchmal verlassen sie zufällig die Simulation, um sich auf der tatsächlichen Insel zu manifestieren. Sie erhalten oder zersetzen sich, verändern das Aussehen der Insel und kontaminieren die bestehende Realität nach und nach mit einer anderen Möglichkeit ihrer selbst.

Am Ende des Waldes steht ein Bildschirm, auf dem ein autonomes Auge durch die simulierte Umgebung navigiert und ihre sich ständig verändernde Natur beobachtet.

Roman Ondak
Measuring the Universe
Pinakothek der Moderne
Munich
3. Juni – 25. September 2022
www.pinakothek-der-moderne.de

Ab dem 3. Juni 2022 wird die Pinakothek der Moderne in München Roman Ondaks Measuring the Universe präsentieren. Das performative Werk, das zuletzt 2007 in der Pinakothek der Moderne zu sehen war, wurde seitdem in verschiedenen bedeutenden internationalen Institutionen gezeigt.

Das Konzept von Measuring the Universe ist einfach: Die Körpergröße der Museumsbesucher wird an der Wand vermerkt - so wie Eltern das Wachstum ihrer Kinder markieren, um ihnen ein Gefühl für die Dimension der Zeit zu geben. Eine alltägliche, eigentlich private Handlung rückt ins Zentrum der Aufmerksamkeit und wird zu einer öffentlichen und kollektiven Aktion. Während der Ausstellungsdauer entsteht eine Zeichnung an der Wand, die immer dichter und schwärzer wird. Am Ende werden alle Menschen gleichzeitig anwesend sein, obwohl sie auch alle wieder gegangen sind.

Measuring the Universe ist also ein Bild für unser Leben in dieser Welt - ein Bild für die Bedeutung, aber auch die Bedeutungslosigkeit des einzelnen Menschen in Masse und Zeit.

Roman Ondaks Werk geht von einem performativen Konzept aus und besteht aus Skulptur, Installation, Fotografie, Zeichnung und Performance. Der Künstler verwendet häufig gefundene Objekte. Sein Medium ist der Alltag und die gesellschaftlichen Erwartungshaltungen, Annahmen, Automatismen und Projektionen, die unsere Wahrnehmung der Realität prägen. Seine Arbeiten können alltägliche Rituale in ergreifende performative Situationen verwandeln, die soziale und politische Ideen und Bilder indirekt ansprechen.

Im Folgenden finden Sie ein Video mit dem Künstler, das anlässlich der Aufführung des Werks im Museum of Modern Art in New York im Jahr 2009 produziert wurde.

Für ihren VOICES ON ART - The VAN HORN Gallery Podcast sprach Daniela Steinfeld mit Esther Schipper.

Wie Daniela Steinfeld bemerkt: "Esther spricht ausführlich über ihren Hintergrund, ihr Aufwachsen in einem sehr kosmopolitischen und kulturell gebildeten und interessierten Haushalt, geboren und aufgewachsen in Taipeh und später in Paris. Sie spricht über die Anfänge ihrer Galerie und wie sie das Bedürfnis verspürte, zu wachsen und sich einer ständig verändernden Welt zu stellen. Sie blieb der DNA der Galerie treu, unterhielt langjährige Beziehungen zu den KünstlerInnen und zeigte über die Jahre hinweg Loyalität gegenüber deren Ideen. Sie entwickelte auch Strategien, um ihre Galerie zu einem global funktionierenden Unternehmen zu machen, mit SpezialistInnen in jedem Bereich, von Kunstgeschichte über Verkauf bis hin zu Buchhaltung, Marketing und Management. Es ist sehr lehrreich und hochinteressant, die Entwicklung ihrer Galerie über die Jahrzehnte in ihren eigenen Worten zu verfolgen."