Eine wöchentliche digitale Rundschau
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Brief aus Berlin

 

Willkommen!

Willkommen zu unserem Brief aus Berlin!

Diese Woche setzen wir unser wöchentliches Film-Streaming mit David Claerbouts Die Reine Notwendigkeit / The Pure Necessity fort und heben auch die jüngsten Interviews und Vorträge des Künstlers hervor. Der Film ist bis Sonntagabend (Berliner Zeit) zu sehen.

In diesem Brief aus Berlin stellt Isabelle Moffat drei neue Projekte aus Magazinen und dem Internet vor: Thomas Demands Titelseiten für das italienische Architekturmagazin Domus, Anri Salas Beitrag zu M, dem Magazin von Le Monde, und den enthusiastisch aufgenommene „höflichen Hack“ der Website des diesjährigen Kopenhagener Architekturfestivals.

Darüber hinaus möchten wir Ihre Aufmerksamkeit auf die Online-Vorführung einer Arbeit von Hito Steyerl, das Angebot des Guggenheim-Museums virtueller Hintergrundbilder, und unseren neuen deutschsprachigen Online Viewing Room für Angela Bulloch lenken.

Alles, was Sie vielleicht in unseren Social Media-Kanälen verpasst haben, finden Sie auf Continuity, unserer digitalen Plattform.

Bleiben Sie gesund.
 

David Claerbout — Filmscreening für dieses Wochenende

David Claerbout, Die reine Notwendigkeit/The Pure Necessity, 2016. Farbanimation, 50:00 Min Spieldauer.
(Dieser "director's cut" hat eine Spielzeit von 30 Minuten.)

Die dieswöchige Filmauswahl ist ein 30-minütiger Ausschnitt aus David Claerbouts2016 Die reine Notwendigkeit/The Pure Necessity, seiner Arbeit in Anlehnung an Walt Disneys klassische animierte Adaption von Rudyard Kiplings Das Dschungelbuch aus dem Jahr 1967, die neu konzipiert wurde, um die tägliche Langeweile der Tiere in den Mittelpunkt zu stellen.

Claerbouts Film folgt der Tradition einer Frame-by-Frame-Animation, bei der die historischen Figuren wiedererschaffen werden: Bagheera, der Panther, Balu, der Bär, Kaa, die Schlange und andere. Während der Film von 1967 sie als anthropomorphe Charaktere portraitierte, die für ihre geistreichen Dialoge, Tänze und Witze bekannt sind, werden sie hier als "realistische" Tiere dargestellt. Claerbout zeigt sie, wie sie durch den Dschungel wandern, aus einer Wasserquelle trinken, auf Ästen schlafen und sich gegenseitig beobachten. Alle ihre Bewegungen werden mit Präzision und Dauer verfolgt, was dem Betrachter die Möglichkeit gibt, jedes Detail der Zeichnungen zu beobachten.

Sorgfältig animiert - die vollständige 50-minütige Version umfasst etwa 90.000 einzelne Zeichnungen - versucht das Werk bewusst zu "entschleunigen" und stellt damit einen Kontrapunkt zum Klassiker von 1967 dar. Dieser Film zeichnet sich durch seine energiegeladenen Gesangs- und Tanzroutinen, durch den konstanten Rhythmus und den Frohsinn der Wohlfühl-Familienunterhaltung aus. Claerbout hat das wilde Kind Mowgli und die Handlung um seine Re-Integration in die menschliche Gesellschaft entfernt (ein Filmende, das manchem Kind als kontraintuitiv und manchen Erwachsenen als erschreckender Einstieg in die symbolische Ordnung aufgefallen sein mag). Darüber hinaus begegnen wir keiner der Verhaltensweisen, die Naturdokumentationen im Allgemeinen eine narrative Struktur geben: Nahrungssuche, Spielen oder Jagen. Die Aktivitäten sind eher typisch für die eingesperrten Kreaturen, denen wir in Zoos begegnen: ohne eine Aufgabe, nahe an der Apathie.

Während diese Betonung der Autonomie gegenüber menschlichen Eingriffen Überlegungen in Bezug auf Tiere hervorhebt, betonen die Bemerkungen des Künstlers über die sich verändernde Rolle des gemeinsamen Filmschauens ein weiteres wichtiges Thema, das in Claerbouts Oeuvre untersucht wird: die Verwandlung der Gemeinschaftserfahrung des bewegten Bildes in eine einsame. Er schreibt:

1967 erschien Das Dschungelbuch in den Kinos, in einer Zeit der Ausbreitung von Kino und Fernsehen nach dem Zweiten Weltkrieg. Das Kino wurde zu einem Ort, an dem man sich schweigend nebeneinander hinsetzte und das Gespräch auf die Leinwand verlagerte. Schließlich hatten viele vor kurzem zwei Weltkriege durchgemacht, von denen der erste der Krieg war, der alle Kriege beenden sollte.

Das Kino war zu einem einigenden Raum geworden. Die Zerstörung, das Karnevaleske, die Romantik oder der Tanz konnten rituell in einem zeitlichen Raum nachgespielt werden, der sicher enden würde und oft auch gut endete.

Erst jetzt, wo wir - allein - Inhalte auf Tablets sehen, wird es möglich, Kino und Fernsehen als einen Ort des Zusammenseins zu schätzen, auch wenn das bedeutet, schweigend nebeneinander zu sitzen.

Wenn sich bewahrheitet, was Margaret Thatcher in den achtziger Jahren gesagt hat: dass es keine Gesellschaft gibt, sondern nur Individuen und ihre Familien, dann sollte es nicht überraschen, dass bis zum Jahr 2017 die einst so energischen Figuren des Dschungelbuches schweigend auf sich selbst zurückgeklappt werden. Dies mag auf den Zuschauer zurückfallen, der Die reine Notwendigkeit betrachtet, auch er oder sie, der oder die in Einsamkeit schaut, nicht in einem Kino mit anderen.

Die Entscheidung, mit Dschungelbuch zu arbeiten, war nicht zufällig. Die Geschichte handelt von den Starken und potentiell Grausamen, die den Schwachen helfen, bis sie emanzipiert und bereit sind, sich dem modernen Leben zu stellen. Um 1967 sah das Individuum in keiner Weise wie das Individuum von heute aus. Das Individuum war ein einzelner Baustein in der Architektur der Gesellschaft, heute ist das Individuum diese Gesellschaft, Millionen von ihnen.


Über einen Zeitraum von drei Jahren zeichneten David Claerbout und sein Team professioneller Künstler die Einzelbilder des Originalfilms von Hand nach und setzten sie dann zu einem völlig neuen Film zusammen - ein wichtiger Widerspruch in sich: eine leblose Animation -, die im krassen Gegensatz zu dem lebendigen und rhythmischen Präzedenzfilm steht.

Indem er das bewegte Bild verlangsamt, um seiner narrativen Anziehungskraft entgegenzuwirken, die, wie der Künstler anschaulich beschrieben hat, Erwachsene zu Kindern macht, die stumm und wie versteinert auf die Leinwand starren und der Welt und ihrer Freiheit verloren sind, hat Claerbout es auf sich genommen, uns von der Sklaverei der konstanten linearen Zeit zu befreien.
 

David Claerbout — Auswahl neuer Interviews und Vorträge

Produziert vom Louisiana Channel, dem vom Louisiana Museum of Modern Art ins Leben gerufenen gemeinnützigen Videokanal für das Internet, wurde diese wunderschöne Dokumentation im April 2020 veröffentlicht. Sie enthält ein ausführliches Interview, das im Februar 2020 in Antwerpen, Belgien, aufgenommen wurde (auf Englisch).

Podcast vom Samstag Museum, Adelaide, Australien. Der belgische Künstler David Claerbout setzt sich mit Rachel Hurst zusammen, um über sein monumentales Bewegtbildwerk Olympia (the real-time disintegration into ruins of the Berlin Olympic stadium over the course of a thousand years) zu sprechen. Aufgenommen von Denam Moore im Samstag Museum of Art, Kaurna Adelaide, im Februar 2020 (auf Englisch).
Vortrag des Künstlers in Prag anlässlich seiner Eröffnung in der dortigen Galerie Rudolfinum, 29. Januar 2020 (auf Englisch).
Gespräch mit Dr. Martin Engler über Die reine Notwendigkeit im Städel Museum in Frankfurt im Jahr 2016 (auf Deutsch).
 

Anri Sala — Projekt für M, Le Monde Magazin

Ein Kind, ein Apfel. Ein Biss, ein Exil. 2017 veranstaltete der albanische Künstler Anri Sala in Berlin einen Workshop mit Migrantenkindern. Er bat sie einfach, in einen Apfel zu beißen, ein Motiv, das er in Musiknoten verwandelte, die er auf den Partituren verschiedener Nationalhymnen arrangierte. "Gezeichnet" von khadija, bahea, samira, laisa, raman oder dylar, die Noten von "la marseillaise" oder "god save the queen" werden so im Laufe der Wochen auf den Seiten von "M" [Le Monde Magazin] verbreitet, wie eine Melodie, die in Zeit und Raum ausbricht. —M, Le Monde Magazin


Zwölf Wochen lang enthielt M, das von der französischen Tageszeitung Le Monde an Wochenenden herausgegebene Magazin, eine von Anri Salas Zeichnungen von Äpfeln. Entstanden aus einem Workshop mit Flüchtlingen, den er 2017 in Berlin abhielt, trägt jede Frucht eine deutliche Bissnarbe. Für das großformatige Werk Them Apples, das in jenem Jahr zum ersten Mal in der Galerie ausgestellt wurde, wurden 44 Zeichnungen als Noten auf einer imaginären Partitur eines echten Musikwerks, der deutschen Nationalhymne, an der Wand angebracht.

Die Bissspuren sind, wie Fingerabdrücke, einzigartig. Ein integraler Bestandteil des Projekts, das die konzeptionelle und materielle Grundlage für Salas Zeichnungen bildet, war der dreitägiger Workshop, der in Zusammenarbeit mit der öffentlichen Kunstorganisation KurtKurt in Berlin-Moabit organisiert wurde. Die Interaktion mit den Flüchtlingen während dieser Sitzungen, in denen das Künstleratelier und die Flüchtlinge Objekte, Zeichnungen und Fotografien produzierten, schuf die Bedingungen, aus denen das Zeichenprojekt entstand - performative, zeitbasierte Ereignisse, die zu Zeichnungen wurden, die diese Entstehungsgeschichte einbeziehen.

Anri Salas Zeichnungen entstehen durch die Manipulation aufeinanderfolgender Schichten nasser Tusche, die auf Steinpapier aufgetragen wird, das sich durch seine mangelnde Saugfähigkeit auszeichnet - die Flüssigkeit trocknet langsam auf der Oberfläche des Papiers. (Das Verfahren erinnert an die frühe Ausbildung des Künstlers in der Freskomalerei).

Für sein Projekt mit Le Monde entschied sich Anri Sala, den Rahmen auf andere Nationalhymnen auszudehnen: die von Frankreich, Deutschland, Italien, dem Vereinigten Königreich und den Vereinigten Staaten von Amerika. Jeder Apfel ist wiederum mit einer Note gepaart, doch Sala hat sich dafür entschieden, ein Segment der Partitur und den Namen des Kindes unten einzufügen. Apfel, Note und Text werden auf diese Weise enger mit dem Schöpfer der Bissspur verbunden und konstruieren kurze Botschaften, von denen einige scheinbar aufmunternd (jour de / gloire, Frei / heit), andere wiederum eindringlicher (God / save / Queen!, mor / te) sind. Natürlich hätten sich diese für die Leserinnen und Leser einer einzelnen Ausgabe des Magazins nicht manifestiert. Abgesehen von dem weiteren politischen Kontext, der durch die fünf vom Künstler gewählten Hymnen heraufbeschworen wird, lässt sich daraus auch eine einfache Analogie ziehen: So wie Noten Musik und Worte Sprache bilden, sind die Schicksale individueller Kinder eine humanitäre Krise.

Anri Sala, Them Apples, 2017. Tinte auf Steinpapier, in Künstlerrahmen, 44 Teile, 43 Rahmen 44,5 x 30,8 x 2,6 cm, 1 Rahmen 44,5 x 61,6 x 2,6 cm. Ausstellungsansicht: Anri Sala, Take Over, Esther Schipper, Berlin, 2017.
© VG Bild-Kunst, Bonn, 2020. Photo © Andrea Rossetti

 

Thomas Demand — Projekt für Domus Magazin

Thomas Demandund Domus: "Die Vorderseite einer Zeitschrift ist selbst eine Art Fassade"

Die italienische Zeitschrift Domus ist seit langem eine wichtige Institution der Architekturpresse. Die Zeitschrift wurde 1928 von Gio Ponti gegründet und begann bereits vor zwei Jahren mit der Planung für ihr 100-jähriges Jubiläum mit einem ehrgeizigen Programm von einem Jahrzehnt jährlicher Gastherausgeber. Im Jahr 2020 übernahm der britische Architekt David Chipperfield diese Funktion. In Berlin bekannt für seinen umsichtigen Wiederaufbau des Neuen Museums (1993-2009) und die Fertigstellung der James-Simon-Galerie (1999-2018), arbeitet Chipperfield mit Thomas Demand zusammen, der in diesem Jahr alle 10 Titelseiten des Magazins gestalten wird. Die fünfte Ausgabe wird demnächst erscheinen.

Die Serie zeigt Architektur, die in Schwierigkeiten geraten ist, wie Demand es ausdrückt. Dabei handelt es sich um Entwürfe, die zu symbolischen architektonischen Formen für aktuelle Auseinandersetzungen wurden, ohne notwendigerweise mit einer solchen Absicht gebaut worden zu sein.

Januar
Gio Ponti, Concattedrale Gran Madre di Dio, Tarent
Von außen frontal betrachtet, wirken Fassade und Glockenturm von Gio Pontis Concattedrale Gran Madre di Dio linear, mit wenig räumlicher Tiefe, ähnlich einem Ausschneidemodell. Offenbar von der Idee eines Segels inspiriert, berücksichtigte Ponti die maritime Lage der Kathedrale in Tarent, wo sich ein wichtiger Marinestützpunkt in Süditalien befindet, während die spitzen Öffnungen in den Gitterwänden der Kathedrale auch an die Formensprache der gotischen Architektur erinnern.

Februar
Paul Revere Williams, Shepard Tower Franz Hall II, Los Angeles
Das 1967 errichtete Gebäude auf dem Campus der University of California in Los Angeles wurde von Paul Revere Williams entworfen, der, obwohl er Hunderte von Bauten in ganz Los Angeles errichtet hat, heute vielleicht am besten dafür bekannt ist, das erste afroamerikanische Mitglied des American Institute of Architects zu sein. Dies ist das erste Mal, dass seine Arbeit auf dem Cover von Domus zu sehen ist.

März
Grenzmauer
Das März-Cover bezieht sich auf einen Prototyp für die von Donald Trump befürwortete amerikanisch-mexikanische Grenzmauer. Im Oktober 2017 wurden acht Prototyp-Sektionen enthüllt, darunter eine, die von Elta North America, einem Verteidigungshersteller im Besitz von Israel Aerospace lndustries, hergestellt wurde.

April
Diamond Princess
Das Kreuzfahrtschiff Diamond Princess erlangte notorische Berühmtheit, als Anfang Februar 2020 bei mehreren Passagieren das neuartige Coronavirus diagnostiziert wurde und japanische Gesundheitsbehörden eine obligatorische 14-tägige Quarantäne über das Schiff verhängten, das zu diesem Zeitpunkt in Yokohama, Japan, vor Anker lag. An Bord des Schiffes befanden sich insgesamt 2.666 Passagiere und 1045 Besatzungsmitglieder, über deren tägliche Aktivitäten in den Weltnachrichten berichtet wurde.

Mai
Victor Bisharat, Purdue Pharma Gebäude, Stamford
Ursprünglich 1973 als Hauptsitz der G.T.E. (General Telephone and Electronics Corporation) in Stamford, Connecticut, erbaut, wurde das von Victor Bisharat entworfene Gebäude 1999 von Purdue Pharma gekauft, einem Unternehmen, das derzeit wegen seiner Marketing- und Verkaufspraktiken für das Opioid Oxycontin heftiger Kritik und rechtlichen Schritten ausgesetzt ist.
 

space-time.tv — Copenhagen Architecture Festival / cafx.dk

Die Website des COPENHAGEN ARCHITECTURE FESTIVALS, das vom 23. April bis 3. Mai 2020 stattfinden sollte, wurde gehackt. Tatsächlich wird sie jede Woche mit neuen Inhalten gehackt. Mit überraschendem Enthusiasmus haben die Gehackten vor drei Wochen fröhlich ihr Unglück auf e-flux architecture announciert:

Seit letzter Woche werden wir vom Fernsehen gehackt, und seit heute hat sich die Auswahl der auf unserer Website gezeigten Streifen bereits geändert. Die sehr höflichen Hacker, die ihre "Ideologie" als "anti-philantro-tech-kapitalistisch" bezeichneten, haben sich mehr "alternatives Storytelling" einfallen lassen. Aus Quincy, Manheim, Preston, Tarnac und Qattara. Diese Woche wollen sie "den ländlichen Raum politisieren" und "den ländlichen Raum ent-romantisieren".

Nun haben die Hacker die Seite fast komplett übernommen: Wenn Sie die CAFX-Website besuchen, werden Sie von der unverwechselbaren Stimme von space-time.tv begrüßt. Das Gemeinschaftsprojekt, das Christopher Roth, selbsternannter "Broadcast Operator und Concierge", im vergangenen Sommer im Buchladen der Galerie präsentierte, betreibt seit 2018 drei Online-Fernsehkanäle mit weitgehend selbst generierten Inhalten und Found Footage. In Kürze kommt ein neuer Kanal hinzu, der mit 2038 verbunden ist, einer weiteren ehrgeizigen Gemeinschaftsinitiative, die bei der Architekturbiennale in Venedig, die nun Ende August eröffnet werden soll, ihre Premiere feiern wird.

Screen shot der gehackten Webseite des Copenhagen Architecture Festivals, www.casfx.dk

Christopher Roth, dessen Praxis am besten als eine Art proaktive intellektuelle Wissenschaft verstanden werden kann, die das Faktische und Fiktive mit analytischen und poetischen Qualitäten verbindet, konzentriert sich seit den 1990er Jahren auf die "Leere" von Einzelbildern und bestimmten generischen Darstellungen, die uns umgeben. Diese Bilder erlangen ihre Bedeutung nur im Kontext - eine Funktion, die von den Massenmedien leicht manipuliert werden kann. Dieses Wissen - erworben und praktiziert als versierter Filmeditor und Regisseur von Spielfilmen und theoretisch untermauert durch seine Beschäftigung mit Kulturgeschichte und Philosophie - prägt auch seine neuen Projekte.

In dem Bestreben, zu verstehen, wie Informationen, Worte, Bilder und Ideen in einem sich ständig beschleunigenden Tempo aufgenommen, verbreitet und vermittelt werden, hat Roth in den letzten Jahren versucht, das frühe Versprechen des Fernsehens zu erneuern, indem er es für das digitale Online-Moment neu konzipiert hat.

Er schreibt:

Das Fernsehen war schon immer sehr nah an der realen Welt. Im besten Fall ging es um das, was ist, und zog dann den Schluss, was sein könnte. Die Verantwortung bestand nicht nur darin, die Gegenwart zu zeigen, sondern sich die Zukunft vorzustellen und sich darüber hinaus vorzustellen, wie wir ihre Richtung ändern könnten. Fernsehen war und ist ein utopisches Konzept. Das Fernsehen sammelt Daten, macht Umfragen, stellt Fakten fest und analysiert sie, aber nur wenn es Geschichten und Fiktion schafft, schafft es Werte. Es wird politisch. Deshalb ist es so wichtig, von wem diese Geschichten erzählt werden.

All dies hat eine radikal positivistische Qualität: nicht in Bezug auf die empirische Neigung der philosophischen Strömung - obwohl ein gewisses "What you see is what you see" sicherlich zum Reiz dieser schnelllebigen visuellen Kultur gehört - sondern auch in dem Sinne, dass man der Gegenwart und der Zukunft positiv gegenübersteht. Um space-time.tvs Acht Regeln für das Fernsehen zu zitieren:

Wir glauben nicht an das einsame Genie. Auch nicht an Widerstand, Rückzug oder Anarchie.
Wir glauben an (Science-)Fiction, an den Realismus unserer Zeit. Die Zukunft ist weder ein Alptraum noch ein Tagtraum.
Wir spekulieren, auch wenn wir versuchen, Unsicherheiten zu minimieren. Wir versuchen, Geschichten, Antworten und Möglichkeiten zu finden, nicht bloße Beobachtungen.
Wir versuchen, komplexe Ideen einfach erscheinen zu lassen. Wir bauen Argumente auf, bilden Positionen, kreieren einen Slogan, sind populistisch.
Wir glauben an Komprimierung. Wenn Argumente die Komprimierung nicht überleben, sind sie schlecht. Kein Stück sollte länger als fünf Minuten sein. Besser zwei.
Wir werden nicht mit absolut jedem über alles reden. Das werden wir der zeitgenössischen Kunst und Architektur überlassen.
Wir machen Programme mit sich wiederholenden Episoden, keine einzigartigen Meisterwerke.
Wir versuchen, politisch über die Beziehungen zwischen den Subjekten nachzudenken, seien sie menschlich oder nichtmenschlich.
Hören Sie auf, sich selbst zu betrachten. Schauen Sie sich um. Interessante Dinge sind immer in der unmittelbaren Nähe.

Screen shot space-time.tv mit den Acht Regeln fürs Fernsehen.

Dieser Utopismus, der sich als Realismus ausgibt, ist auch im Projekt 2038 sehr stark ausgeprägt. Wie die Erklärung seiner Initiatoren, die 2038 verfasst wurde, besagt:

Heute, im Jahr 2038, haben wir die großen Krisen gemeistert. Es war knapp, aber wir haben es geschafft. Die globalen ökologischen, sozialen und wirtschaftlichen Katastrophen der 2020er Jahre haben Menschen, Staaten, Institutionen und Unternehmen zusammengebracht. Sie bekannten sich zu den Grundrechten und schufen gemeinsam tragfähige, anpassungsfähige Systeme und Rechtsrahmen auf planetarischer Basis, die dezentralen, lokalen Strukturen den Raum geben, unterschiedlichste Modelle des Zusammenlebens zu erhalten und zu schaffen.

Technologie und "big data" halfen uns, neue und alte Ideen in die Realität umzusetzen. Und oft waren Architekten Teil der Lösung, weil sie Antworten hatten, statt sich weitere Fragen auszudenken. Das Drama ist jetzt Geschichte. Wir leben in einer radikalen Demokratie, in einer radikalen Bürokratie. Auf einem Planeten, der keine Helden oder Schurken kennt oder braucht.

Er braucht einfach mehr TV, mehr space-time.tv.

The New Serenity 2038. (Link zur Webseite und Trailer des Projekts)

 

Angela Bulloch Online Viewing Room — jetzt auch auf Deutsch!

Wir freuen uns, den Start unseres deutschsprachigen Online-Viewing Room zu Angela Bullochs 30-jähriger Geschichte mit der Galerie bekannt zu geben.
 

The Reading Corner – Eine Auswahl von Publikationen

Anri Sala<br>

Anri Sala

As You Go
Verlag: Skira, 2020
Sprache: Englisch, Italienisch

Available here


<b>Thomas Demand</b><br>

Thomas Demand

The Complete Papers
Verlag: Mack, 2018
Sprache: Englisch

Available here

<b>David Claerbout</b><br>

David Claerbout

Drawings and Studies
Verlag: Hatje Cantz, 2015
Sprache: Englisch

Available here

<b>Georg Diez / Christopher Roth</b><br>

Georg Diez / Christopher Roth

What Happened? 80*81
Verlag: Merve Verlag, 2016
Sprache: Englisch

Available here

 

Eine Arbeit von Hito Steyerl — n.b.k online Video Streaming

Hito Steyerl, Duty Free Art, 2015, HD Video mit Ton, duration: 38:21 Min Spieldauer.
© VG Bild-Kunst, Bonn, 2020. Filmstill © Hito Steyerl

Wir möchten Sie auf das Online-Streaming von Hito Steyerls Duty Free Art (2015) im Rahmen des n.b.k. Video-Forums 2019 aufmerksam machen. In diesem Jahr präsentiert der n.b.k. auf seiner Website in zwei Online-Screenings eine Auswahl der neu erworbenen Videoarbeiten für die Sammlung des n.b.k. Video-Forums - Teil II ist nun bis zum 24. Mai online und kann unter www.nbk.org angeschaut werden.

Vorführung II
Montag, 4. Mai, bis Sonntag, 24. Mai 2020
Mit Videoarbeiten von Candice Breitz, Lia Perjovschi, Tomas Schmit, Hito Steyerl

Zu sehen sind die selten gezeigte Arbeit The Magic of Gestures (Laces) (1989) von Lia Perjovschi, die Arbeti e-constellations (2004) von Tomas Schmit, Factum Misericordia (2009) aus der Reihe Factum von Candice Breitz, und Hito Steyerls Duty Free Art (2015).

Virtuelle Hintergrundbilder vom Guggenheim Museum

Philippe Parreno, Marquee, 2008. Ausstellungsansicht: theanyspacewhatever, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, 2008. Photo © David Heald

Zoom with a View!
Transportieren Sie sich in das Guggenheim Museum mit kostenlosen virtuellen Hintergründen

Das Guggenheim-Museum stellt Installationsansichten von bedeutenden historischen Ausstellungen zur Verfügung, die als virtuelle Hintergrundbilder für Zoom und andere Video-Chat-Plattformen verwendet werden können. Die Bilder stehen auf der Website des Museums zum Download zur Verfügung.

Wählen Sie unter ikonischen Ausstellungsansichten, darunter Angela Bullochs Firmamental Night Sky: Oculus.12 (2008), eine Arbeit aus ihrer Serie von "night skies" (Nachthimmel), die die Künstlerin an der Decke der Rotunde des Guggenheims platzierte, und Philippe Parrenos Marquee, eine große beleuchtete Arbeit, die über dem Eingang an der Fassade des Gebäudes installiert wurde. Beide Ansichten stammen aus der Gruppenausstellung theanyspacewhatever (2008).
 

Messages from Home

Unter der Rubrik Messages from Home senden Künstlerinnen und Künstler Videos aus ihren (temporären) Ateliers oder Wohnungen. Dieses Mal zeigt Tao Hui ein Rezept seiner Interpretation eines Eispflanzensalats nach chinesischer Art!
 

Journey Through the Gallery

Ausstellungsansicht: Ugo Rondinone, Slow Graffiti, Schipper & Krome, Berlin, 2001
Photo © Studio Rondinone⁠⠀

Ugo Rondinones Ausstellung Slow Graffiti von 2001 bestand aus zwei neuen Werken. Der Ausstellungsraum wurde von einer mosaikartigen Spiegelwand (5 x 5 Meter) dominiert, die so positioniert ist, dass sie den ganzen Raum in Fragmenten widerspiegelt, oder besser gesagt, ein verzerrtes Bild des Raumes zeigt, in dem die Skulptur, eine Clownfigur aus Polyester, passiv an der Wand lehnt.

In die Trennwand integriert waren vier Lautsprecher, die einen für Rondinone typischen Dialog abspielten. Zu hören ist eine Frauenstimme aus dem linken und eine Männerstimme aus dem rechten Kanal. Der Beckett-ähnliche einminütige Dialog der beiden sich widersprechenden Stimmen, der sich zu einer Schleife zusammenfügt, drückt eine bedrückende inhaltliche wie formale Zwecklosigkeit aus.

Die Konfrontation dieser beiden Skulpturen, unweigerlich verbunden mit der verzerrten Reflexion des Betrachters, führt zu einer Atmosphäre der Neutralisierung der Aktivität, die nur durch die mosaikartige Reflexion, die Bewegung oder Aktivität ins Bild bringt, angeregt wird. Die Kardinalrolle des Clowns, Lebendigkeit, Spaß und Aktivität zu evozieren, kurz, zu unterhalten, ist passé. Ausgezehrt, verhärmt. Fragen nach Heteronomie und Selbstbestimmung, nach strikter Abgrenzung und skizzierter Identität dringen auf Antworten.

See inside the exhibition here